jueves, 26 de noviembre de 2015

MY BLOODY VALENTINE "LOVELESS"


                                                  My Bloody Valentine "Loveless" (1991)


El dolor nos mantiene vivos. He llegado a creer que la felicidad es la ausencia de dolor. No tanto el dolor físico como el espiritual, el fisico es soportable aparte  de que hay maneras de mitigarlo o anularlo, me refiero al dolor de verdad, al dolor que provocan los sentimientos y enfrentarse al mundo. Hay cientos de dolores diferentes, dolores mentales, claro, miles de formas de sentirlo, padecerlo incluso los hay que lo gozan, pero el dolor más grande que podemos sufrir es el de la ausencia de amor. Se pueden soportar muchos dolores pero ese sentimiento de ausencia de amor, es la mayor de las torturas. No solo el amor romántico, que también, sino el amor en general. Vivir sin amor, o con esa sensación es tormentoso, desquiciaste y devastador. Hay imágenes del dolor, emociones dolorosas etc... ¿pero tiene sonido?. Siempre me he preguntado como suena el dolor, que música nos muestra el dolor de la mejor manera. Hay discos, artistas incluso bandas de música que basan su sonido y su carrera musical en el dolor. Pero ninguna llego nunca tan lejos como My Bloody Valentine. Los irlandeses con "Loveless" dieron al fin con la tecla, con el sonido del mayor dolor que puede padecer el ser humano. El dolor por la ausencia de amor.

"Loveless" es el segundo álbum de estudio de la banda irlandesa. Salió a la venta el 4 de noviembre de 1991, después de un largo y costoso proceso de grabación que abarcó entre 1989 y 1991 y que tuvo lugar en diecinueve estudios de grabación distintos. El vocalista, líder y guitarrista Kevin Shields se hizo cargo del proceso: buscaba un sonido en particular para el álbum, para lo que utilizó varias técnicas como guitarras rasgadas con el brazo de trémolo, loops de batería sampleados y voces oscuras (escondidas y sepultadas por la música y poco perceptibles). Se contrataron y despidieron un gran número de ingenieros de sonido (unos 15 ) durante el proceso. La grabación de "Loveless" costó alrededor de 250.000 libras, una cifra que casi lleva a su sello discográfico, Creation Records, a la ruina. Hay que tener en cuenta el año y que era un sello independiente.

El proceso en si fue una tortura para el sello, para la banda y para todo aquel que tenia la desgracia de tropezarse con ellos, para ejemplo un botón. En el otoño de 1991, con las pistas vocales completas, se procedió a hacer una mezcla final del álbum con el ingeniero Dick Meany en los estudios Church de Crouch End, fue el decimonoveno estudio que se utilizó para la grabación. Se procedió a editar el álbum en una máquina vieja que antes se había utilizado para ensamblar diálogos de películas en los años 1970. La computadora desincronizó todo el álbum. Shields fue capaz de reconstruirlo de memoria, aunque cuando llegó el momento de masterizarlo, para consternación del sello Creation Records, necesitó trece días en lugar de uno.

Pero dejémonos de anécdotas y adentrémonos en el dolor. El jodido dolor. Ese que hace que te cueste respirar, el que te coge la sien y no la suelta, el que hace que tu vida se enrede en el desagüe y desaparezca sin remedio. Ese sonido, esas canciones que nos muestran el único dolor que atormenta a todo ser humano, la ausencia de amor. Sentirse solo en el mundo, rodeado de gente que busca solo su beneficio y que no duda en aprovecharse de ti, de tu confianza y de tu fe en la amistad. Este disco refleja el crujido de un corazón roto, nos muestra como suena una alma que se parte en mil pedazos. Es la banda sonora a noches en silencio a oscuras en tu cama, solo o junto a alguien buscando un sentido a la vida, y en como sobrellevar esa ausencia de amor. Hay que ser muy valiente para no volarse los sesos mientras "Loveless" atruena en tu cabeza y ves lo miserable que es tu vida. Gracias Mr Shields por es puto regalo...

"Only Swallow" duele, así de inicio es como un aperitivo de lo que esta por llegar. Tus oídos no pueden asimilar tanto ruido, tanto sufrimiento te va alterando el pulso, te agarra de las muñecas y la tristeza se va adhiriendo a tu piel. Mientras la dulce voz y la melodía de Belinda te mantiene en filo. Miras a esa persona que creías conocer y notas que te mira con desprecio mientras sonríe a otro con coquetería, y tragas saliva. Y en tu mente la violencia de las guitarras de Kevin van llenando tu corazón de odio y bilis. "Loomer" es más dolor, aguijonazos al orgullo, sentirse pisoteado y seguir suplicando cariño. Que te muelan a palos y mientras yaces sangrando en el suelo miras con pena como tu agresor se marcha y te invade la tristeza pues ya no vas a volver a verlo, no sentirás nunca más el calor de sus abrazos. Es veloz, una canción rápida para ser de Kevin pero las peleas son así, rápidas y sucias. El minuto de "Touched" es un atisbo de esperanza en una relación rota, cuando por un instante piensas en cuando os jurabais amor eterno y nada creas podría separaros. Una chispa de tiempo en la eternidad del dolor. Y no hay dolor más gordo que "To here knows When". Confusión, todo te da vueltas, no entiendes nada y cuanto más piensas en algo y en sus soluciones más lejos estas de la salida del laberinto emocional en el que te has metido. La canción es un bucle dolorosamente bello, deseas que acabe pero tampoco puedes evitar suspirar cuando eso sucede. "When You Sleep" es la banda sonora de ese pobre diablo enamorado de un sueño irreal, de algo inalcanzable que seguramente solo existe en su maltrecha cabeza. Pero hay esperanza, siempre puedes tropezar con ese ser que hace tus días mejores... "I Only Said" es un grito desgarrador en una calurosa noche de junio, un dolor agudo que te retuerce en tu cama, miras esas paredes y descubres que la vida fuera de ese búnker es posible, pero que duele. Y tu corazón no resiste más indiferencia. El estribillo, es unos sonidos de guitarra que te dan luz en el abismo, una antorcha en esa cueva de la que debes salir para descubrir que no todo en la vida duele como la ausencia de amor. Perder a alguien que quieres sea un familiar , un amigo o una pareja duele más si es voluntariamente, no por fallecimiento. Que alguien decida salirse de tu vida duele más que si se muere...
"Come in alone" es un contrapicado tema pop, una gema llena de mierda, un diamante por pulir. Intuyes algo bello, hermoso, te emocionas pero el temor te agarrota. Descubrir que sientes cosas por alguien que jamas sentiste y que te dejan sin tu coraza, sin tu seguridad, sin tu sensación de saberte sin suerte. Tropezar con el amor y que te corresponda es por momentos lo más bello del mundo pero para el que siempre ando con miedo sobre el alambre es una pura venganza del destino. Ahí tienes lo que quieres, ¡mantenlo vivo!. "Sometimes" es un eco, un susurro, como olas del mar retumbando en tus oídos. "Blow a Wish" es otro ejemplo de la mecánica del dolor y de la belleza. Esos silencios mirándote al espejo sin verle sentido a nada. "What you want" vuelve a comerte por las solapas, te lleva al barranco más alto y te susurra que saltes... y dudas un instante. Ese jodido instante es esta canción. Y llegamos a "Soon" y un humilde servidor se queda sin palabras. Van cayendo los segundos, los minutos y al llegar a los 7:01 con el final del disco y de la canción te preguntas cuando volverás a pincharlo, cuando volverás a tener el valor de enfrentarte de nuevo a "Loveless". Me zumban los oídos, durara un par de días.
100/100























lunes, 9 de noviembre de 2015

PULP "WE LOVE LIFE" 2001

                         

                                                               Pulp "We Love Life"
Quizás sorprenda la aparición de Pulp en este blog, sorprenda por estar ligados a un sello como Universal o por no considerarse indie puro, como el aquí tratado, también por ser un disco posterior a 1991 cuando el indie de verdad murió. Pero quizás hablar de este disco que en unos meses cumplira 15 años sea que es considerado un disco menor en la discografia de la banda y el disco que provoco su despido del sello discográfico en 2002 y dio la puntilla al proyecto. Fue el final de Pulp. Hubo un retorno efímero para una gira, y quien sabe si más adelante volverán algún día al estudio pero quiero hablar de este disco injustamente vilipendiado por critica y publico.
Estamos en 2001 tras el éxito total de "Different Class" el oscuro "This Is Hardcore" gusto más a critica que publico, Jarvis y los suyos en consecuencia a su siempre espíritu indie y rebelde crearon su disco más sincero. "We Love Life".
Se abre con "Weeds" un tema tenso, en eterno bucle in crescendo, con una letra ambigua y la cual acepta todas las versiones e interpretaciones que quieras darle. Épica electrizante, grandilocuencia musical al servicio de un Jarvis comedido y desmesurado. Rompen todos los esquemas del pop para poder decir algo nuevo, sin querer llegaron más lejos que muchos en años. Se enlaza con "Weeds II" y la tensión sigue pero la épica y la monstruosidad instrumental se rebaja. Se puede hacer daño con una daga, más que con una bomba. Aquí no se habla de chicas pijas que viajan a Grecia, aquí se denuncia el origen de las especies y de la manipulación genética, pero hay mucho más encerrado entre lineas. Jarvis es uno de los letristas más lucidos de Inglaterra. Una especie de Oscar Wilde jugando a ser un Rock star. "The Night That Minnie Timperly Died" tiene los guitarrazos acústicos más dolorosos de la historia. Un relato escabroso, demencial Poe estaría con los pelos de punta. Jarvis imprime fuerza, a un texto brillante. Doloroso y demasiado real para no dejarte sobrecogido. Musicalmente adictiva te hace sentir sucio al descubrirte tarareando o moviendo tu pie al ritmo de tal crimen. Lo mas feo y sucio del planeta en manos de Pulp puede resultar bello. El arte de dotar belleza a lo mundano y lo blasfemo.
"The Trees" con sus cuerdas dando vida al corte en cuestión es brillante. El fraseo recitado de Jarvis en este tema ultra ecológico es lucido, ensoñador y perturbador. El estribillo, aquí si es claro, es vivaracho y bobalicon. Y llegamos a "Wickerman" el tema con la letra más larga, con la historia más rica del disco. El libreto del disco es una obra de arte en si mismo dotando a cada canción del arte que más se adecua a ella. No hay nada al azar donde no llegan las palabras o la música llega la imagen. "Wickerman" es una de mis canciones favoritas de Pulp junto a "Bad Cover Version" y "The Birds In Your Garden" y todas son de este disco. Jarvis narra, susurra, canta, gime, grita, hace todo lo necesario para que nos metamos en materia. Basada en el film de autor "The Wicker Man" contiene samples de "Willow's Song" de Paul Giovanni para dicho film. "I love Life" tema que da nombre al disco es la bella historia de la vida narrada para que la entiendan los críos, y los adultos reflexionemos sobre lo sencillo que es vivir e intentar ser feliz sin más complicaciones que respirar. Con una inspirada melodía y unos arreglos minimalistas y precisos resultan ideales para otro corte perfecto.  Cuanta furia desatada y cuantas emociones encerradas en 5 minutos. ¿En que pensaba la critica y el publico hace 15 años?. Y llegamos a "The Birds In Your Garden". Y toca ponerse serios. Otro brillante ejercicio de pop mayusculo. De belleza robada a la naturaleza. Con la melodía más dolorosamente bella de su carrera. Tanta belleza te nubla la vista, te entumece y te hace llorar. ¡Ojala hubiera podido yo crear algo así!. y cuando acaba el primer estribillo estas a punto de derramar lágrimas. El síndrome de Stendhal es una realidad. Pocas canciones logran esto. Pocas cosas en la vida logran romperme por dentro así. ¡Malditos!. "Bob Lind (The Only Way Is Down)" vuelve a Pulp a ese pop elaborado, rico en instrumentaciones y en matices que ahora intentan y consiguen a veces sus más directos herederos Arcade Fire. El guiño a Bowie de la ilustracion de "Bad Cover Version" la hace más especial si cabe. Con una de las letras en las que más me identifico es un corte directo, un claro single radiable pero con la letra más desoladora del universo. Un corte con el humor negro más brillante de los ultimos 20 años. Nadie relato tan claramente lo que es el amor y la vida. "Roadkill" es un desnudo corte, emocionalmente duro y bello. Efimero, un suspiro de la vida como la fotografia que lo acompaña, esas cosas fugaces y tecnicamente irrelevantes que por un segundo te lleva a otro lugar donde por un instante todos tus problemas desaparecen. La lastima es que dura lo que dura y repertirlo una y otra vez le quita todo el sentido y toda su magia. Se cierra el disco con una sonrisa, "Sunrise" son casi 6 minutos con un brillante Richard Hawley echando una mano con su slap Steel guitar. Una tormenta de verano, intensa pero breve. Esas que caen al atardecer y dejan paso a una noche hermosa. Un final apoteosico.
"99/100"


martes, 13 de octubre de 2015

Guided By Voices "Cool Planet" 2014



                                                   Guided By Voices "Cool Planet" 2014

Hoy reinvindicare a un grupo o más bien a un músico que creo que se lo merece. Guided by Voices es una banda de rock destartalado de Dayton, Ohio. Fueron influenciados por todo tipo de música... pop, rock progresivo, post punk, punk rock y sobretodo por las bandas de la British Invansion. Formaron parte de la escena americana de rock alternativo desde 1986 hasta 2004. Cuando se separaron, volvieron una década después con excelentes resultados. Siguen en el anonimato.
A través de los años Guided By Voices sufro muchos cambios entre sus miembros: el único miembro permanente fue Robert Pollard, cantante y compositor principal. El verdadero genio y corazón de Guided By Voices.

"Cool Planet" es un disco extenso como su memorable "Bee Thousand" quizás su mejor trabajo pero en cuestión de canciones pues su minutaje son cortas. Canciones directas, sencillas y sin rodeos.  18 diamantes en bruto que en manos de otros muscos sonarían mejor pero que en las manos de ellos suenan emocionantemente amateur e infantiles. Pero también memorables y enternecedoras. Se inicia con "Authoritarian Zoo" un corte monolítico, machacon deudor de The Who. "Fast Crawl" es un tema lento, melancólico con una melodía escalofriante. "Psychotic Crush" tiene unos coros de otro mundo. "Costume Makes The Man" es un corte acústico, teatral. "Hat Of Flames" es un rock destartalado, de local de ensayo. Tierno e inocente. "These Dooms" es como si Robert estuviera poseído por el espíritu de Neil Young. "Table At Fool's Tooth" es diversión, divertimento puro y simple. Por el contrario "All American Boy" es el corte más profesional del disco más que nada por su minutaje casi 4 minutos cuando la media no llega a 2!. "You Get Every Game" es unos links pasados de acido. "Pan Swimmer" es simple y hermosa. Por su parte "The Bone Church" es maquiavélica.  "Bad Love Is Easy To Do" es un éxito inmediato, puro azúcar. "The No Doubters" es un arrastrado blues rock. "Jarretad By Paul" es un emotivo tema a piano y dos voces. "Cream Of Lung" es un tormento, un llanto desesperado. "Males OF Wormwood Mars" al revés. Es luz, felicidad y alegría. La broma de "Ticket To Hide" funciona y cierran con el tema que titula el disco. Sus discos son así, pasan volando entre sonrisas.
80/100


lunes, 12 de octubre de 2015

SONIC YOUTH "EXPERIMENTAL JET SET, TRASH AND NO STAR" 1994



                    SONIC YOUTH "EXPERIMENTAL JET SET, TRASH AND NO STAR" 1994


Podría haber elegido cualquier disco de su larga discografía, seguramente os sorprenda que el primer disco que aparece en el blog de Sonic Youth sea este y no "Dirty", "Goo" o "Daydream Nation" tres piedras fundamentales de la música indie. Quizás seria justo hablar de "Evol", "Sister" o de "Confusión is sex" antes que de este disco, por importancia en su trayectoria y por la influencia en el rock. Pero siempre me muevo por impulsos, intentando sacar la mierda a flote. Tras la explosión de Nirvana y la decadencia del Grunge genero al que vieron nacer y morir Sonic Youth se vieron atrapados en la vorágine del éxito del rock underground. Ellos eran los padres de todos y ahora tenia la oportunidad de sacar rédito de ello. Y entregaron su disco más... ¿Comercial? fea palabra y que quien escuche este disco le parecerá una autentica sandez. Pero "Experimental..." es un disco asequible para la juventud de 1994, una juventud ávida de sonidos nuevos, atractivos y sobretodo ruidosos. Actualmente sigue sonando actual, rompedor y marciano. Pero es el disco comercial de Sonic Youth. Al igual que otros grupos legendarios se suban al carro, véase REM y su "Monster" ellos nos mostraban de donde venia el sonido de Pavement o Nirvana. Un disco repleto de humor negro y de cierto aire reinvicativo, lleno de bilis y de mucha venganza encubierta. Bromas para melamos como la inicial "Winner's Blues" un blues dedicado a un ganador, la mayor frivolidad del mundo. Pervertir la música para crear algo nuevo y fresco. Un blues marciano en manos de la banda menos cercana a la música blues del mundo. Increíble y fresca. Thurston suena fantasmagórico... Tras ella su "único hit single" y es que "Bull In The Heather" fue lo más cerca que estuvieron jamas de un tema así. Erótica, malvada, perversa, divertida, bailongo, guitarrera y genuina. Esta canción es increíble y única en su discografía. Slide guitar, sexo y ritmos desquiciados. "Starfield Road" es más fiel su pasado, pero es un juguete diabólico. Con cientos de sonidos descacharrantes. Con Thurston cantando mejor que nunca sobre un amalgama de guitarras revienta cerebros y Shelley nos regala los mejores ritmos y redobles del disco. La explosión final es de esos cambios que lo vuelven épico. "Skink" es la calma tras la tormenta con Kim al mando. Sonidos ralentizados, tétricos... La de sueños que he tenido con esta canción de fondo. "Streaming Shull" es fuego. Así de simple. Kim  y Thurston vuelven a demostrar que pocas mujeres y hombres están a su altura interpretativa. Homenaje al verdadero indie. El solo es de primero de primaria en la Escuela de Rock. Tan simple como efectivo. "Self-Obsessed And Sexxee" es un medio tiempo ensoñador con Thurston llevando la batuta de la banda por un terreno ponzoñoso. Imaginar a Neil Young de mierda y barro hasta el cuello. "Bone" es un tornado. Con Kim desatada y la banda en el alambre, más cerca del caos que nunca. "Androgynous Mind" es una de mis canciones favoritas de los newyorkinos. Lo tiene todo, sexo, violencia,  muerte, ruido, drama, épica y susurros. La canción perfecta. "Quest For The Cup" es un tema troto con Kim jugando con las palabras, estirando el tempo y retorciendo el ritmo. Ama absoluta de la nave sabe comandarla como pocos. Es como pincharse morfina e intentar llegar al orgasmo mirando una postal de Hiroshima. Perverso y atractivo. "Waist" tiene a Thurston y a Shelley de jefes. Ambos montados en una buena ola, en un pura sangre indomable. "Doctor's Orders" de nuevo Kim susurra, hace el amor con su bajo y nos deja ensoñaciones en forma de trocitos de magia eterna. Brillante tema. "Tokyo Eye" otro momento cumbre del disco. Con la más brillante interpretación de Thurston de todo el disco y casi de su discografía. Tensión, intriga y belleza. La más bella canción de Sonic Youth en décadas. Cuando llega la brutalidad sigue siendo bello. Como si ardiera el Louvre... "In the mind of bourgeois reader" es un divertimento inofensivo en apariencia pero a la que rascas ves las aristas. Cierran el disco con casi 8 minutos de canción una enorme "Sweet Shine" una oda al buen gusto.
95/100

domingo, 26 de julio de 2015

Mother Love Bone "Apple" (1990)


                                                          Mother Love Bone "Apple"


Andrew Wood sea seguramente el mayor talento que salio de Seattle desde Jimi Hendrix. Eso afirma Mark Lanegan y no puedo estar más de acuerdo con el ex cantante de Screaming Trees. La semana pasada cumplir 25 años de la publicación de este disco. Su único disco. El único que vio publicado en vida el bueno de Andy. Solo por la inicial "Bone china" todo delicadeza vale la pena este disco. Pero es que no se reduce solo a eso... ¿Habéis escuchado "Capricorn Sister"? me refiero con calma, saboreando cada nota... Fuerza y ternura, una voz sublime, una estructura compleja pero adictiva, unos músicos estrujándose en cada compás, una autentica maravilla. Combina la fuerza del hard rock, con el punk, con el glam incluso el grunge coetáneo suyo, el autentico. Por desgracia cuando Andy se fue el resto de miembros ya con Eddie Vedder en sus filas jamas y digo JAMAS logro un disco a la altura de este. Aparte de decir que perdieron magia y misterio por el camino. Eran infinitamente más previsibles. "Captain Hi-Top" es otro tiro, un disparo en tu sien. La banda a 100 por hora y Andy revoloteando como una mariposa, la más bella jamas vista por el ser humano. "Come Bite The Apple" es la canción que intentaron copiar en "Ten" Pearl Jam y casi lo consiguen y mira si es grande la de Andy que "Ten" se convirtió para la mayoría en el mejor disco de los de Vedder. No me entendáis mal, me gustan Pearl Jam, mucho. Pero Andy y Mother Love Bone son más grandes que la vida. Y llegamos a "Crown Of Thorns" la magia, la belleza pura hecha canción. Cuando Pearl Jam hicieron 10 años Vedder en homenaje a sus compañeros de banda y sobretodo a Andy canto este tema. Le puso lo mejor de si mismo pero lejos de Andy. Una canción que empieza aletargada, que se va despertando, como te sucede a ti una mañana de domingo. Andy lleva la canción a cotas únicas, su fraseo entre vacilo y sentido es único. La canción a la mitad esta ya en un creciendo estremecedor y cuando Andy en el minuto 3.20 grita desgarrador te hiela la sangre. Guitarras enmarañadas y sangrantes. Bajos sinuosos y libidinosos y una batería siempre concreta, minimalista pero efectiva. los últimos dos minutos valen por la discografía completa de muchas bandas posteriores, véase Creed, Nickelback, Silverchair o Stone Temple Pilots. Andy y su voz se van en un fade out doloroso, como sucedió en la realidad. Triste epitafio. El piano de "Gente Groove" vale su peso en oro, y la clase de Andy esta a la altura de su adorado Ziggy Stardust. Que fuerza y que garra tiene "Heartshine" y Andy le da sentido al trabajo de Stone Gossard feroz en el riff. Otro de los grandes momentos del disco "Holy Roller" también se intento repetir en "Ten" pero otra vez con menor fortuna. Épica, grandilocuente y mayúscula. No puedo evitar el venirme arriba escuchándola. Uno de los estribillos más perfectos que han salido de Seattle en toda su jodida historia. "Lady Godiva Blues" es destartalada, divertida y muestra al Andy más jugueton. Un tema un pelín inferior al resto. Duele escuchar " Man Of Golden Words" por el desenlace que tuvo Andy. Una muestra tan brutal de talento que acongoja escucharla sin llorar. En este momento mientras suena la voz de Andy por primera vez y cuando nombra a... "Temple of the dog" ya ruedan las lágrimas por mis mejillas. No me extraña que Pearl Jam y Soundgarden llamaran a su grupo y disco de homenaje a Andy Temple Of The Dog. Cuando entreviste al hermano de Andy le comente que como fue que no toco él, un guitarra y un compositor fantástico en el disco de homenaje a su hermano y miembro junto a él de Malfunkshun, otro gran secreto... Me comento que nadie, repito nadie le dijo nada. Cuando veo el documental "Twenty" de Pearl Jam y dicen lo contrario me arde la sangre. Me creo a Kevin un tío que se vino abajo y empiezo a llorar en cuanto le nombre que mi canción favorita de Andy era de Malfunkshun y resulto ser la misma que la suya. Esas cosas duelen. También debo reconocer que aunque no respete nada como músico a Chris Cornell un impersonator total cuando habla de andy en ese mismo documental, como persona humana es de 10. "Mr. Danny Boy" es un corte humano, mundano al lado de la enorme "Stardog Champion" ¿Que canción no lo es?. Otra jodida joya, una más y van... Que fuerza, que clase y que voz de Andy. Los músicos que le acompañan no se andan a la zaga. Un torbellino de sensaciones, una montaña rusa de emociones. "Satirizare" es bella, sensible, tan preciosa que te duele que la aguja deambule por sus surcos. Casi 5 minutos de amor, amor a la vida. Los Gossard, Ament, Fairweather y Gilmore entregan en esta canción y en este disco lo mejor casi de sus carreras. Y es que la voz de Andy lo elevaba todo y eso pocos cantantes lo logran. Cierran el disco con otra enorme joya. "This Is Shangrila" brilla, te eleva al cielo y eso es gracias a Andy. Verdadera estrella de Mother Love Bone. Cierto es que sin la explosión de Nirvana en 1991 no hubiera descubierto a Andy. Pero eso no resta el reconocer que en Seattle estaba Andy y luego a mucha distancia gente como Kurt Cobain, Layne Stanley o Mark Lanegan. Que estaba este disco y Mother Love Bone y luego escalones más abajo bandas que adoro como Melvins, Mudhoney o Love Battery. Y aunque el disco de Malfunkshun sea una joya... Este, es el disco con el que Andy debe ser recordado.
"10"



martes, 19 de mayo de 2015

Cronica Vetusta Morla Feria De Valencia


Vetusta Morla Feria De Valencia 16/5/2015

                                                      Texto y fotos Marcos Molinero

Fue mi primera vez. Debo reconocer que llego tarde al fenómeno Vetusta Morla. Y a pesar de que iba con un saco lleno de prejuicios les basto una sola canción para dejarme sin argumentos. Con 5000 personas entregadas de antemano la banda podía haber sido más disciplente o comedida. Pero no, Salieron a por todas desde la inicial "La Deriva" acompañada por unos juegos audiovisuales simples pero muy efectivos, pero sobretodo Pucho se destapo como un gran frontman. Aleteando, sintiendo cada palabra que cantaba como si fuera un dogma divino. Ante tal derroche de fuerza, uno no pudo evitar doblegarse. La banda en el tramo final de su gira esta muy engrasada. Y sobretodo son sabedores de estar viviendo su mejor momento como banda, 7 premios en los premios independientes, pero sobretodo conscientes de que su tercer largo es el más redondo y completo de su carrera. Quizás al verlos desde el crisma critico y sin casi emociones o vivencias unidas a sus dos anteriores trabajos "La deriva" y los temas incluidos en él son mis favoritos y en mi opinión los mejores momentos del concierto... "La Mosca En La Pared" fue emocionante, vibrante "Golpe Maestro" y ¿que decir de "Fiesta Mayor"?. Pues uno de los mejores minutos de un concierto largo, generoso en minutaje y en derroche de fuerza. "Fuego" también sonó y no desmereció ante los "Clásicos" de la banda. En "Pirómanos" Pucho lanzo su micro al suelo estaba en el jodido Nirvana al igual que todos nosotros. Hasta un tema tan bobalicón como "Tour de Francia" sonó robusto y adquirió otro sentido, gano puntos... "Cuarteles de invierno" fue tan bella, con una iluminación precisa y una banda polimétrica, conjuntada y en estado de gracia...
Pero no todo fue "La Deriva" tocaron temas de sus dos discos anteriores y sobretodo con los de su debut conseguían elevar la temperatura del respetable y a su vez del recinto hasta lo inimaginable. La comunión y la catarsis colectiva de "Salvese Quien Pueda" logro erizarme el vello de mi nuca, eso o tener a alguien especial a mi espalda. Compartir con ella este momento sera algo que hace que la vida adquiera otro sentido. Desde ese día "Copenhague" significa mucho para mi, muchisimo. He tenido que vivir en mis carnes algunas circunstancias para entender esta canción. Ahora es mi himno, vivo atrapado en ella. Tanto en la canción, como en sus brazos. Cuando arremetieron con "Valiente" aquello adquiero tintes de caos, controlado pero caos. Ojos vidriosos por todos lados. "Baldosas amarillas" fue tantrica.Tener en cuenta que a banda esta en su mejor momento, tienen un espectáculo visualmente atractivo y un conjunto de canciones con las que su publico se siente identificado. Esta ecuacion da por resultado una victoria apabullante. "La cuadratura del circulo" es otro momento que me llevare a la tumba... Estremecedora "Rey Sol". Pero la verdad es que "Mapas" fue uno de los picos álgidos del espectáculo. Aunque yo sufrí como un crió perdido en la multitud con "Maldita Dulzura". Tras dos horas largas la banda se despidió con una ovación cerrada, merecida. Abandone el recinto con una copia en vinilo de "La deriva" acompañado de mis chicas valencianas, agradecido por haberlas escuchado y haberme dejado arrastrar hasta allí. La vida tiene estas cosas, hay que dejarse llevar... Y casi siempre disfrutas del viaje y de la compañía. Gracias María José, Olga y Vetusta Morla.

Cayó mi escudo humano, ya no soy el hombre del saco. Ha cambiado mi suerte, seguí las baldosas amarillas y mientras sonaba una sonata fantasma planee un golpe maestro. La grieta que existía en mi corazón no existe, ya no debo visitar las salas de espera. Ahora soy valiente, casi un rey sol. Seguí la marea que me llevo a tus brazos. Soy dichoso de compartir un día en el mundo junto a ti mi pequeño desastre animal. Pienso en ti al respirar, al vivir... Contigo en mi vida se cerro la cuadratura del circulo... Eres tú o tú. Paso del nadie...

jueves, 14 de mayo de 2015

VETUSTA MORLA (EN "ACUSTICO") LA RAMBLETA, VALENCIA.



          Crónica del concierto de Vetusta Morla en La Rambleta, Valencia. 14 de mayo 2015.
          
          Texto y fotografías por María José Vélez (Uve).


Hoy ha sido uno de esos días en los que das gracias al cielo por estar viva.
El sofocante y demencial calor de hoy en Valencia, ha dado paso a una maravillosa y refrescante brisa que ha sido el concierto de mis Vetusta Morla.
Por todos los de mi entorno es sabida mi devoción y mi pasión por ellos, esta noche han demostrado una vez más lo grandes que son, y la luz que irradian desde el escenario.
Lo que en principio iba a ser un pequeño e íntimo acústico se ha convertido en la antesala de lo que nos espera el próximo sábado. Un anticipo que nos ha dejado con la miel en los labios y con ganas de más.
Me arriesgo a decir, sin temor a equivocarme, que nadie en la sala esperaba que dieran comienzo al show con "Los buenos" uno de los temas de sus comienzos, y que digo tema...TEMAZO, con mayúsculas. Todavía me pregunto por qué nunca ha sido incluida en ninguno de sus álbumes, habría sido una digna adversaria de otras canciones y hubiera desbancado sin problemas a más de una. 
Nos han deleitado con temas rescatados un tanto del olvido. "Autocrítica" echaba de menos esta canción, la primera de su primer éxito " Un día en el mundo". Canción protesta donde las haya, nos recuerda el mundo de apariencias en el que vivimos, no distinguimos realidad de ficción, dejamos de ser uno mismo para interpretar un papel, acorde a lo que esperan de nosotros los demás.
Nos han hecho vibrar con "Fuego", "Fiesta Mayor", "Rey Sol" y "Golpe maestro", pero sobretodo con la canción que da titulo a su último álbum "La deriva" sin duda una de las mejores , verdad Marcos? 
Nos han hecho sentir con "Alto", con sus "Baldosas amarillas", su dulce tema "Una sonata fantasma", y como no "La marea", preciosa canción que cobra un nuevo sentido para mi, ahora que sé que está entre tus preferidas. No he podido evitar echar mucho de menos a mi "Copenhague", mi debilidad, pero han sabido suplir con creces su ausencia, apenas se ha notado, y convencida estoy de que no tardare en derretirme de nuevo con ella en directo.
Pucho nos envuelve con su limpia y clara voz, sin adornos, no le hacen falta. Cierro los ojos y me dejo invadir, dejo que retumbe en cada uno de mis sentidos y llene mi alma de música. Hace que desee viajar con la mente a otro lugar, lejos de todo.
Vetusta reinventa sus propias canciones, nos sorprende con matices y detalles diferentes en cada actuación. Crees que es imposible sonar mejor y de nuevo dan un giro inesperado que te deja boquiabierta. 
Emocionantes e increíbles una vez más, consiguen como pocos poner un nudo en mi garganta. 
A pesar de las críticas que reciben, siguen siendo brillantes. Que sus influencias son marcadas y evidentes? Sí. Qué se les ven las costuras? Es posible. Pero quién esté libre de plagio, que tire la primera piedra. Muchas gracias mi vida, por esta oportunidad. Tqm.



Un fan de Replacements atrapado en el karaoke masivo de Roxette.






Pues si, soy fan de The Replacements. Seguramente seria la banda que escogería si me dejaran formar parte de una. No querría formar parte de The Beatles, ni de Led Zeppelin no querría formar parte de The Who ni de Nirvana o Jane's Addiction. Me pediría ser un Replacement. En dos semanas mis queridos Replacements tocaran en Barcelona y yo que siempre he sido culo inquieto no se me ocurrió otra cosa que hacer más llevadera la espera que solicitando acreditacion para asistir a la gira de aniversario de Roxette. Siendo un adolescente y antes de que el rock más alternativo entrara en mi vida "Look Sharp" era para mi un discazo. En realidad lo sigue siendo... ¡Pero ojo! Que mi hermano el super gotico dj Wax ecstatic se ponía on fire con "Joyride". Así que entre por nostalgia, curiosidad y masoquismo me acerque al Sant jordi Club.
El publico era muy heterogeneo, parecía una reunión del APA o una reunión de antiguos alumnos del instituto. Esa noche tanto abuelas como canguros pubers han hecho horas extras. Me adentre sigilosamente hasta llegar a primera fila. Muy fácil. Claro que la experiencia es un grado... Si he sobrevivido a Sex Pistols, Ramones o The Prodigy no iba a desfallecer en Roxette. Aunque mal, mal lo pase viendo a Britney en Manchester. Al lio que me disperso...
Eskobar son los teloneros y pese a sonar a Keane no acaban de desagradarme pero mi atención se vuelca en los espécimenes que me rodean. A mi derecha una silenciosa chica anorexica que fotografiaba cosas extrañisimas, el techo, sombras, cajas de instrumentos etc... junto a ella dos cincuentonas muy escandalosas acompañadas de una treintañera que sera protagonista algo más adelante. A mi espalda un grupo de doñitas colombianas, una la mamasita, la que parecía la jefa pegada a mi chepa con un samsung galaxy que podía iluminar media andorra y a mi izquierda una pareja de gays tan extraña como fascinante. Las conversaciones eran de traca, que si supervivientes, que si marido ya no me toca o tengo al chiquillo enfadado con su padre... Delante nuestro un segurata de lo más chulo y ridículo. Si eres un armario de dos por dos entiendo tu chulería pero siendo un tipo normal das risa...
Empieza el concierto con "Sleeping in my car" y aquello se viene abajo, no se seguro la cantidad de gente pero más lleno que cuando tocaron Franz Ferdinad la ultima vez seguro... Entre las dificultades físicas de Marie y el éxtasis catártico del respetable casi todas las canciones acababan en un karaoke masivo realmente espeluznante. El momentazo de la noche con la cancioncita de "Pretty Woman" ha sido de pelos como escarpias... Bromas aparte, Marie hace lo que puede y su delicada salud le permite. Per se cree que esta aun en los 90's y sigue de guitar hero total. Físicamente cascado parece un híbrido entre Herman munster e Iggy Pop con capas y capas de maquillaje, por cierto, suerte de las toallas negras...
La pareja gay era tronchate un pequeño casi sesenton esquifido y muy loco clavado a Jimmy Summerville de The Communards versión pelirroja. Y su pareja un oso amoroso gigante más preocupado de arrimar cebolleta que de Roxette. En una de esas de que la mamasita saca su mega móvil jumbotron para hacer fotos y salen las ultimas llamadas y veo Medellin Carcel... Los huevos de corbata, por suerte no colombiana. Ademas se puso a hablar por telefono y casi eclpisaba a los suecos...¡Que pulmones!.
La banda seguia a lo suyo desgranando hit tras hit de sus 30 años de carrera. En esas de que la chica anorexica que se sujetaba con todo a la valla... si sopla aire sale volando, palabra, intenta dejar su mochila delante de la valla...¡Error! el segurata pensando que eran armas de destruccion masiva no se lo permite. la pobre ha de cargar con ella al hombro pero molesta a las doñitas que braman y la pobre se la pone delante para no incordiar a las capo del patio. En esas de que el segurata vuelve a reñirla, la mochila con los explosivos debajo, las fotos sin flash, etc etc... por suerte la ha pillado con ella. Mira y remira a la treintañera que anda al lado de la anorexica... entre tema y tema se acerca y le grita al oido que cuando acabe le de su telefono para quedar a tomar cafe... Flipando.

La otra se rie, asiente y sigue saltando y dandolo todo con sus compañeras de oficina. El segurata ligon no para de lanzar miradas lascivas y las compañeras de la treinteañera se rien y jalean a su amiga. En el escenario Per y el bajista Magnus discuten sobre cual es el mejor disco de Roxette El melenitas asegura que "Have a nice day" el bajista le vacila y le dice que diga la verdad... Desconcertado el guitarrista le pregunta cual es realmente y Magnus ante el cachondeo general le espeta: "Baladas en español"... ¡Que risas!. Unos vips realmente divertidos se colocan delante nuestro para hacerse selfies con los suecos de fondo. Tanto él como ella tenian más horas de gimnasio que Madonna y Pacquiao.
Al pobre segurata ligon le quieren cambiar de sitio pero él se niega tiene la presa justo delante solo espera el momento. En el momento más romantico que jamas he contemplado en un concierto le regala una botella de agua y su mejor sonrisa mientras la banda toca"Listen to your heart". El tipo sabe cuando y donde golpear. Profesional, muy profesional.
Hay una pareja vip o invitados por la banda que retozan delante nuestro y logran removerme las tripas tanto musculo y tan poco cerebro...



 Cuando presentan a la banda el guitarra solista que se creia Dave Mustaine de Megadeth no se le ocurre otra cosa que tocar el himno del Barça, la gente enloquece y cantan a pulmon, jodido karaoke... Hasta la chica anorexica brama como si le fuera la vida... Voy acumulando ira y rabia y cuando llega el momento del triple Barça, como buen perico lo cambio por un triple mierda. Ante el aplauso y pulgar en alto del segurata Casanova. Espero que se coma algo aunque lo veo negro. Y llega el primer paron y abandono la primera fila, deambulo entre padres casados de noche loca anual, habia cada baile que daba verguenza ajena, mujeres preocupadas del crio y la canguro, lobos solitarios y depredadores sexuales. Tipos que desprenden feromonas y sudor como si no hubiera mañana... Alli habia más perfiles de meetic que personas. Llego al final de la sala para ver los bises y con "The look" aquello se convierte en un mar de telefonos moviles... Mientras le pregunto a mi chica que tal le ha ido en el concierto acustico de Vetusta Morla voy saliendo de la sala, fuera oigo el final y la tremenda ovacion. salgo como alma que lleva el diablo de alli... El sabado en Valencia vere a Vetusta Morla espero un gran karaoke tambien y eso es algo que me repatea... lo dicho, el fan de Replacements ha salido vivo. Una vez más al llegar a casa, una vez duchado, cierro los ojos y me digo: "Jamas aprenderas". Por cierto, Roxette en directo molan algo AOR en plan Foreigner en las baladas pero peligrosos para los diabeticos. Edulcorados y azucarados hasta el vomito.












viernes, 17 de abril de 2015

L7"Smell The Magic" (1991)


                                                              L7 "Smell The Magic"
 Hay que echar la vista atras hasta el 14 de diciembre de 1992. Faith No More por entonces en lo más alto de su carrera venían a presentar "Angel Dust" y L7 eran las taloneras. Fue al primer concierto que asistí solo. sin mi padre, ni tía. Tenia 16 años y esa noche esas dos bandas me abrieron los ojos. Por eso hoy rindo homenaje a L7. El grupo se formó sobre 1985 cuando se conocieron la vocalista y guitarrista Donita Sparks y la también guitarrista Suzi Garner. En tres años grabaron su álbum de debut y telonearon en una gira a Bad Religion. En 1990 editaron uno de los discos más importantes del sello Sub Pop, "Smell the Magic", y en 1992 "Bricks Are Heavy (Slash), este disco fue el primer éxito del grupo con la canción "Pretend We’re Dead". Vinieron un montón de giras y festivales. En 1993 participan en la película "Serial Mom" de John Waters.
L7 tienen en su virtud el llevar al rock más allá de sus límites con una fusión de la cruda vitalidad del punk con riffs electrificantes y salvajes propios del metal o el grunge. Con su humor macabro y naif, sus melodías adictivas y sus guitarras al máximo de volumen, L7 ayudaron a revitalizar el género, y al sello de Seattle. Los lectores de americanos de Rolling Stone, eligieron el álbum que L7 editado en 1992, "Bricks are heavy " como uno de los 150 discos indispensables para entender la década de los 90. 
Yo os hablare de "Smell The Magic" en mi opinión el disco que definió su estilo y personalidad. Se abre el disco con un rotundo "Shove" un riff cortante y una banda detrás que gravita sobre él. Una melodía brutal a medio camino entre el punk más salvaje y el pop mas radiactivo. Más sucia es "Fast And Frightening" cn una slide guitar que creo antecedentes en el genero. Rápidas y furiosas. "(Right On) Tru" es un torpedo, con unas guitarras enloquecidas y una melodía sencilla pero adhesiva. Black Sabbath llevado al lado más sucio. "Deathwish" es virulenta, macabra pero no puedes dejar de tararearla. Y eso pocos lo logran. Que bien suena este disco... Real, orgánico, creíble. "'Til The Wheels Fall Off" es ideal para ir en coche, de noche... acelerado tema con la banda a tope de revoluciones. "Broomstick" es un caso aparte con un bajo rotundo y juguetona y unas guitarras enroscadas entre ellas. La melodía es gritada, escupida, gemida... parece que vaya a pararse del tempo tan lento que lleva. Más grunge que toda la discografía de Pearl Jam. La divertida "Packin' A Rod" me vuelve loco, una fiesta hecha canción. Con "Just Like Me" dan en la diana. Una canción entre mis favoritas de su carrera. Cierran el disco con la critica "American Society". Enamorado durante años en secreto de alguna de las miembros del combo en una conversación con Jennifer muchos años después le confesé mi amor adolescente hacia ella y fue muy amable, divertida y genial. ¿Lo que me digo? Eso quizás salga en mis memorias... Han vuelto a la carretera y me alegro pues se lo mucho que echaban de menos la acción y se de primera mano que no es por dinero. ¡Viva L7!. Si huele a magia es que es magia. Y vivir con la magia en tu vida es lo mejor que puede pasarte... ¿verdad, uve?.
90/100



sábado, 14 de marzo de 2015

Beastie Boys "Paul's Boutique" (1989)


                                                        Beastie Boys "Paul's Boutique"

Aunque no lo parezca a los que siguen el blog, amo la música rap. Ella llego mucho antes que otras a mi vida y significa mucho. Esa sensación de rebeldía y de enfrentamiento a la sociedad y a tus mayores. Así que rendir homenaje a este estilo en su vertiente más indie era cuestión de tiempo. Y Beastie Boys debían ser los escogidos. Podria haber hablado de algún ep de su época punk o hardcore, incluso de su disco de debut ya totalmente dentro del genero y además de suma importancia para el genero pues fue el primer disco de rap en ser multiplatino. Pero no hablare de su segundo disco, (Un homenaje a ti, que adoras los segundos discos). 
El grupo fue fundado por Michael Diamond (Mike D), Adam Horovitz (Ad-Rock) y Adam Yauch (MCA) fallecido hace unos años, tristemente. Aunque otros músicos han formado parte del grupo como Kate Schellenbach (batería) y John Berry (guitarrista), que estuvieron en la formación antes al grabar su primer disco, el hardcore punk "Pollywog Stew" en el sello independiente punk Ratcag Records en 1981. En 1983, demuestran sus primeros coqueteos con el Hip Hop, en su EP "Cooky Puss". "Paul's Boutique" lanzado en 1989,esta considerado aún como una de las obras mas complejas y ricas de la era del sampling, desbordando funk y psicodelia por todos lados. Distinto también eran sus líricas que reflejaban una fijación ecléctica de temas en donde simbolizaban su visión de la vida en las calles: de la novela "La Naranja Mecánica" de Anthony Burguess a los "Tres Hebreos" del Antiguo Testamento. La producción de este disco estuvo de la mano de The Dust Brothers, que por aquel entonces estaban empezando a labrarse un nombre. 
El álbum empieza con tema funk, muy sexy de escaso minuto y medio en el que se dedican a poner cachondas a las féminas de medio planeta. Incorregibles. Tras eso "Shake Your Rump" es un tema marca de la casa con los tres mcs dándolo todo cada uno con su estilo inconfundible. El mérito de este disco es lo orgánico y lo bien que sigue sonando. Estoy seguro que Beck esta de acuerdo con esta afirmación. Hay bajos que levantan el animo, el de este tema resucitaría a el ejercito de Vlad el Empalador en cuestión de segundos. La tempera que provocan hacen que no pueda evitar el moverme al ritmo de esta maravilla. El groove de "Johnny Ryall" es insuperable, con unas guitarras vacilonas y una base rítmica entre el funk y el free jazz. Los chicos se vacilan con unas rimas épicas. En el estribillo conjuran dejadez y arte a partes iguales. "Egg Man" marca un camino que seguirían en el futuro. El Latin Jazz como base para explayar sus rimas jugosas llenas de proteínas. "High Plains Drifter" juguetea con el raggamuffin, pero claro ellos son de New York. Con "The Sounds Of Science" nos cuentan un cuento con un ritmo lentoooo hasta la ridiculez y luego cuando la canción gira coge ritmo y te lanza al cielo. Compleja y brillante. En "3-Minute Rule" vuelven a liarla, una base gorda, rotunda da cuerpo a un tema de los que te agarran el pecho para no soltarse. Y llega uno de sus singles más celebrados. Con "Hey Ladies" dan pistas al resto del planeta de como combinar, soul, funk, rock, rap y todo lo que estos genios quieran. Tras un impasse cachondo y country llega la metalera "Looking Down The Barrel Of A Gun" con unas guitarras tremebundas y una banda en estado de gracia. "Car Thief" es un rap somnoliento con un groove tan sexy que excitan a cualquiera."What comes Around" ahonda en la herida, con bajos proteicos y pianos de jazz de otros tiempos. Sublime. "Shadrach" es una obra maestra, ejecutada con la precisión de un cirujano o de un asesino en serie. Dexter seguro que gozaría escuchadola. Cierran con "B-Boy Bouillabaisse" doce minutos de turntable, una obra maestra indiscutible un final de fiesta perfecto. Un giro inesperado. La mejor manera de bajar el telón de un disco perfecto.
99/100


viernes, 13 de marzo de 2015

Polly Jean Harvey "To Bring You My Love" (1995)



                                               Polly Jean Harvey "To Bring You My Love"


El amor tiene estas cosas, un día te despiertas y ha desaparecido. Pero también sucede lo opuesto, una tarde cualquiera te cruzas con el amor de tu vida y tu existencia da un giro radical. Yo he vivido las dos vertientes y debo confesar que la segunda es más placentera. La música de P.J Harvey empezó siendo árida, perversa y muy visceral. Su debut con"Dry" aparte de brillante es abrumador. Hasta Kurt Cobain cayó rendido a sus pies. Yo no fui menos, y mi amor por la británica fue un flechazo que ha ido creciendo poco a poco hasta convertirse en obsesión. La he visto en directo en cuatro ocasiones, en diferentes giras y formatos y siempre me dejo anonadado, con el corazón en un puño. El disco se inicia con el tema que da nombre al mismo. Es una canción que comienza lentamente, como cuando conoces a alguien, de forma casual se inicia una conversación, y poco a poco notas una conexión. Algo de la otra persona te agarra, te atrapa. Y te encuentras enganchado a charlas hasta las tantas y más pendiente del teléfono que de tu vida. La voz de Polly es dura, y sosegada siempre tiene el tono adecuado en cada momento. Es el inicio de la relación, del disco, estas maravillado, es excitante todo lo que escuchas... Ese órgano que va in crescendo y esas guitarras quebradizas. Serian como descubrir que hay alguien que te ha encendido la chispa pero una conversación no da para más al igual que una canción no hace un gran disco. "Meet Za Monsta" es el encuentro, Polly se encuentra con su monstruo y tu ante la chica que tanto promete. El tema es machacón, guitarrero, nervioso y convulso pero simple a la vez. "Tell me i'm with You" canta Polly... El encuentro con la chica es igual, estas nervioso y tu corazón salta a tu boca como las guitarras y los bajos en la canción. Estáis cara a cara y un simple abrazo da carpetazo a los nervios y clava la estaca del amor en tu corazón y como en la canción, todo acaba de golpe. Pasamos del interés al amor en un silbido. "Working For The Man" con una batería y un bajo que simulan un corazón acelerado son la banda sonora ideal para ese primer beso. Ese beso que dictara el futuro de la relación. Dulce, pasional y eterno. Ya no hay marcha atrás has caído en sus redes. Polly susurra que anda por la noche buscando el amor. Como vosotros. Es un tema sexual, y claro aunque ninguno lo tenia previsto los besos, llevan a las caricias y acabas haciendo el amor con la persona que acabara siendo tu alma gemela. La canción constante y sexy explota al final abruptamente, Polly gime, maulla, se retuerce de deseo como ella entre tus brazos. Polly se pierde en su lujuria, abandona su alma y entrega su corazón a ese hombre como tu le das el tuyo a ella. "Come On Billy" es alegría, ganas de vivir. Ella, Polly, abre su alma y nos cuenta como amaba a Billy. Vosotros no podéis reprimiros y camináis bajo la lluvia como si fuera el día más soleado del año. De la mano recorréis la ciudad. Polly da con una melodía fantástica con unos arreglos de cuerda que te dejan pegado delante de los altavoces. La de veces que soñé con bailar esta canción junto a esa mujer que siempre imagine encontrar un día. Llego el día de ponerse los zapatos de baile. Y llega "Teclo" tras el subidon emocional anterior llega el bajón. Ella debe partir y tu recoger tus pedazos de corazón del suelo de la estación y volverte a casa. La canción es lastimera, con unas guitarras lánguidas y una Polly que te deja con los ojos vidriosos. Pide que le envíen a su amor de nuevo, y tu la entiendes perfectamente. Ella suplica por otro encuentro... y tu. Llega ese nuevo encuentro y no hay preludio, es una explosión. "Long Snake Moan" es puro sexo, sexo sin freno, sin tonterías. Gritos, orgasmos y mucha pasión desenfrenada. Polly folla con el micro, con su guitarra y tu acabas sin reconocerte. Sorprendido del fuego que eres capaz de esconder en tu interior. Todo vibra, todo se tambalea Polly lleva su música al éxtasis emocional y eso no se consigue follando. Vosotros hacéis el amor de manera tan descontrolada que acabáis esclavos el uno del otro. Ese fuego nunca se apagara, lo vuestro es eterno. Y llega el momento en que descubres que te gusta todo de ella, como se viste, como ríe, como anda, duerme o respira. "Down By The Water" es la confirmación de que estas enamorado y que esta vez va muy en serio. Es ella. Existe, es real, jodidamente real. La canción es igual. Es la más accesible y a la vez la más enigmática. Acaba con Polly susurrando... ella siempre gana. "I Think I'm A Mother" es ver a tu chica jugando y cuidando a su pequeño. Ves su lado tierno, terrenal y sensible y caes mas en sus brazos. Un blues letárgico que mece tu alma, acuna tu corazón y duerme tus miedos. Polly lo logra, ella también. Polly sufre, no lo esta pasando bien tiene problemas y tu intentas ayudarla. Que sienta que estas ahí, que sea fuerte, que cuente contigo... Te frustra verla triste, ya ha sufrido bastante y tu solo aspiras a ser su mejor carta. "Send His Love To Me" es la victoria, la victoria del amor. Caminar un domingo de la mano, los tres. Unas manos menudas os unen, y unas lágrimas invisibles llenan vuestros ojos. Polly sigue lamiéndose las heridas, "esta casa fue un infierno, quiero que sea un hogar". A eso aspiramos todos. Yo el primero. Las guitarras acústicas se funden con unas cuerdas de escandalo. El crescendo del tema te deja sin aliento. Se cierra el disco con "The Dancer" no hay nada mas bello en todo el disco que esta canción. Agridulce, con Polly dándolo todo. Canta como un ángel y las guitarras te llegan a dejar el corazón sangrando. Y desaparece... llega el silencio. Ese silencio que te deja malherido. Pero sabes que es temporal. Basta darle al play para empezar de nuevo. En la vida no hay oportunidad de darle al replay, no funciona... pero la música sigue en vuestras cabezas, la magia que empezó aquella noche fría seguirá a vuestro lado hasta que uno se vaya de este mundo y no será así del todo. Un amor así sobrevive a todo. O tú o nadie... Polly lo sabia, el amor duele, pero cuando funciona es lo más maravilloso de este mundo.
100/100

lunes, 2 de marzo de 2015

VETUSTA MORLA "LA DERIVA" (2014)


                                                  VETUSTA MORLA "LA DERIVA"


Pues Vetusta Morla va a ser el primer grupo nacional en aparecer en el blog. Quizás la etiqueta indie en ellos no se ajuste del todo, al menos en el sentido del espíritu del blog. Si es verdad y eso no podemos negarlo que sus inicios fueron muy cercanos a ese "do it yourself" del verdadero indie. La grabación de su primera maqueta, "13 horas con Lucy", tuvo lugar en enero de 2000. Tras ganar en marzo del mismo año el segundo premio del Concurso Musical de Hortaleza, y el primer premio del Concurso Estatal de Pop-Rock de Rivas-Vaciamadrid, surge la oportunidad de grabar una segunda demo, que tomaría el nombre de la banda, en enero de 2001. Tras patearse toda la geografía española, en enero de 2005, publican Mira, un EP autoeditado de 7 temas. En febrero de 2008, editan su primer largo, "Un día en el mundo", que ha sido calificado como "El mejor primer disco de un grupo en la historia del rock español" por el periodista musical Santiago Alcanda. Que aunque lo parezca, por la descabellada información,  el famoso periodista de Radio 3, no es el primo de ninguno de ellos. 
El 8 de abril de 2014 salió a la venta salio a la venta este disco. El primer disco de ellos que puedo escuchar del tirón sin aburrirme. La batería con aires electrónicos y muy orgánica, abre el tema que da titulo al disco, e inicia la colección de canciones que da forma al tercer trabajo de la banda. Cuando el bajo de Alvaro entra sinuoso, se enrosca a la percusión formando una espina dorsal robusta. Los teclados dotan a la canción de una atmósfera inquietante que viene muy bien para la letra y la melodía ascendente de Pucho. Las guitarras entran con fuerza, y van y vienen según convenga para la canción. La composición se desvanece como una tormenta de verano, de golpe y sin casi avisar. Es en el arranque del álbum donde  con “La deriva” y, sobre todo, “Golpe maestro”, dan con un estilo diferente de sus anteriores discos más atmosféricos y con menos garra. Con estos dos temas recrean el aquí y ahora de la situación sociopolítica española, aunque sin caer en la tentación del ataque gratuito y de trazo grueso. Parecido espíritu contestatario aparecerá luego en “La grieta” o “Pirómanos”, si bien lo que por momentos apuntaba a tormenta, acaba quedándose en chaparrón. Es un cambio de estilo que pese apuntar maneras no acaban de rematarlo. Quizás sea en "Cuarteles de Invierno" donde redondean de mejor manera el asunto. La voz de Pucho flota sobre una música con garra y una atmósfera del pasado que nos retrotrae a los días de "Un Día En El Mundo". En "La Mosca En Tu Pared" se acercan a los Coldplay actuales, Melodrama y épica, a partes iguales. No es de extrañar que sea una de mis favoritas. "Fuego" ahonda esa esa vertiente donde batería, percusión y bajo ponen el músculo para que la melodía de el brillo a una de las mejores letras del disco. "Fiesta Mayor" me trae a la memoria los Artic Monkeys más litúrgicos. "Alto!" es un oasis tras la descarga sonica del tema anterior. Uno de los cortes más pop que se acerca demasiado al abismo. Buscan la REDENCION con "La grieta" y la logran con creces. Un tema con una tensión que se estira hasta lograrte dejarte satisfecho, incluye el mejor estribillo del conjunto. La producción de "Piromanos" consigue continuar abriendo sendas que el grupo debe seguir en el futuro para evitar estancarse. Y llega "Las Salas De Espera" y el experimento vuelve a hacer aguas. Como tras una producción tan brillante, aquí dejan que las percusiones engullan todo. Tras el impass acústico, asoma unos toques de electrónica y unas guitarras espeluznantes que logran levantar un tema lastrado por una mala producción. "Tour De Francia" es el tema que más polvareda ha levantado en su carrera. No entiendo la polémica... Quizás la ridiculez de la letra sea un motivo suficiente para hundir unas buenas ideas musicalmente hablando. Cierran el disco con "Una sonata Fantasma", una especie de nana que vuelve a situarlos cerca del combo de Chris Martin. Aciertan dándole protagonismo a los metales al final de la canción con la banda lanzada y sin freno se dirigen a un brillante final. A pesar de que a veces Pucho debería imprimirle más fuerza a su voz, este disco lo requiere, aunque tiene algunas de sus mejores melodías, ahi esta el mayor pero en mi opinion del disco. Han encontrado una senda entre los arbustos, a ver si son capaces de adentrarse en él. Ha llegado la hora de hacer caso a sus enseñanzas y "Dejarse llevar". Y eso se lo dice alguien que se dejo llevar y "sueña con despertar en otro tiempo y en otra ciudad".
80/100












miércoles, 25 de febrero de 2015

Rock Versus Arte: Vincent Van Gogh VS Ryan Adams.



        "Noche Estrellada" Vincent Van Gogh Versus "When The Stars Go Blue" Ryan Adams.


Quien me conoce sabe que soy un alma inquieta, el blog es muestra de ello. Quizás algunos os preguntéis que pasaba que estaba algo parado. Pues que mi mente quiso llevar este pequeño blog a otro nivel. ¿Que pasaría si un apasionado de la música mide sus fuerzas con una amante del arte? Una entendida en arte contra un critico musical. La idea descabellada en un principio pretendía estimular a los seguidores de ambos mundos. El licenciado en arte elige una obra y el critico musical le pone música. Dos maneras de ver el mundo frente a frente. Dos maneras de enfrentarse a un cuadro y una canción memorable, obras ambas de dos genios atormentados. A continuación tenéis la fusión de Van Gogh y Ryan Adams. Dos personas, dos mundos, dos visiones... Ojala lo disfrutéis tanto como disfrutamos nosotros escribiéndolo.

Siempre me he preguntado por qué Van Gogh, por qué me fascina tanto su obra. Quizá la explicación sea que nadie como él es capaz de pintar con el alma. Un alma atormentada a la vez que inquieta, rebosante de talento, un talento que desborda al propio artista. Su corazón es el óleo y su mente el lienzo donde cobra vida su imaginación mezclada con una realidad propia, única y delirante.

"La noche estrellada". Me provoca tantas cosas. Me detengo delante del cuadro, y me dejo envolver por ese cielo estrellado de pinceladas de trazo grueso y espeso, remolinos de noche iluminados por esferas de luz, que te hacen recordar que hay momentos en la vida en que una se debate entre el caos y la razón. Momentos en los que necesitas gritar, escapar, y en medio de esa vorágine interior de repente aparece una luz a modo de estrella brillante que ilumina la oscuridad que cubre la noche. Una especie de faro que te guía y te lleva de vuelta a la orilla, a la tranquilidad, te devuelve la fe y la esperanza en la vida, Una luz que te regresa a casa. En contraposición a ese sosiego aparece el miedo, el temor a que esa estrella de luz de pronto se apague y pierdas de vista el camino de vuelta a la felicidad, y se convierta en algo efímero, de nuevo.

Un susurro, una guitarra acústica y un órgano con una nota sostenida. Así empieza "When The Stars Are Blue" de Ryan Adams. Luego entra el resto de la banda, incluso una voz femenina, que apoya a la principal. Tanto Ryan como Vincent tienen el corazón roto. Como en el cuadro a medida que observas el lienzo o avanza la canción vas encontrando matices, pinceladas o instrumentos dependiendo del caso.  La entrada arrastrada de la batería con un redoble casi torpe es simplemente genial. Entre el piano y el órgano llevan un dialogo durante toda la canción de lo más interesante. La letra de Ryan hace referencia al lugar donde las estrellas se apagan... aunque es un juego de palabras pues "Go Blue" es ponerse triste. Como triste es el cuadro del genio holandés. Ambos tienen una tristeza que llega a conmocionarte, y en ambos casos es el desamor lo que ha provocado esa tristeza.


Van Gogh capta el momento, ese instante, que no se repetirá. Ese instante hay que aprovecharlo, intentar retenerlo, y alargarlo. Nos enseña que la misma imagen, puede verse de muchas maneras posibles, tiene múltiples interpretaciones que dependen de lo que cada uno viva en ese instante en concreto de su vida. Él decía: " si un pintor pinta lo que ve sigue siendo alguien" y yo añado, si un pintor es capaz de mostrar lo que ocurre en su interior y logra emocionarte y consigue que veas el mundo a través de sus ojos, es alguien.

Ryan le dice a su chica: " ¿A donde iras cuando estés sola, a donde iras cuando estés triste?". La voz de Ryan suena aquí apagada, susurrante seguramente debido a la crudeza emocional del texto. Los arreglos orquestales dan al conjunto un mayor empaque. Lo que empezó como algo simple, es al final algo mucho mas complejo, de lo que se imagina uno al mirarlo/escucharlo por primera vez. La voz femenina fuerte al principio se diluye a medida que avanza la canción dejando a Ryan solo al final. Como en la vida real.




                                                          Articulo creado por Uve&Eme


jueves, 29 de enero de 2015

ROLLINS BAND "END OF SILENCE" (1992)


                                                         Rollins Band "End Of Silence"

Aunque no lo parezca Henry Rollins no es solo importante en el mundo del rock por su paso por Black Flag. Rollins fue el cantante de los State of Alert (SOA) en Washington D.C. desde 1980 a 1981, tras lo cual cantó con los legendarios Black Flag, banda de hardcore punk californiano, desde agosto de 1981 hasta la disolución del grupo a principios de 1986. Black Flag no alcanzaron apenas difusión entre el gran público, pero a través de sus giras y actuaciones llegaron a ser considerados como uno de los grupos punk más importantes de la década de 1980.
Menos de un año después de la disolución de Black Flag, Rollins volvió a la música con su amigo de la adolescencia en Washington, el guitarrista Chris Haskett, el bajista Bernie Wandel y el batería Mick Green. Esta formación publicó dos grabaciones: Hot Animal Machine (acreditada como una grabación en solitario de Rollins, la portada incluye dibujos del líder de Devo, Mark Mothersbaugh) y Drive by Shooting (acreditada a «Henrieta Collins and the Wifebeating Childhaters»). La música era similar a la de Black Flag, aunque flirteando con el heavy metal y el jazz. Weiss fue despedido tras la gira de End of Silence, siendo reemplazado por el bajista de jazz y funk Melvin Gibbs, que había sido encarecidamente recomendado por el guitarrista Vernon Reid. Tanto Gibbs como Cain, el batería, habían tocado en diferentes formaciones de la banda del guitarrista Marc Ribot. Esta formación de la banda mostró las más abiertas influencias jazz de la historia de la banda: Gibbs había iniciado su carrera con la banda de jazz fusión del batería Ronald Shannon Jackson, y trabajó con Sonny Sharrock en álbumes como Seize The Rainbow (1987); Gibbs, junto a la obsesión de Rollins por la época del icónico trompetista Miles Davis de finales de la década de 1960 y principios de la de 1970, dieron forma a esta versión de la música de la banda. En esta época, Rollins Band grabó con el saxofonista de free jazz Charles Gayle, aunque dichas sesiones no se publicaron hasta pasados unos años. 
"Low Self Opinion" tiene un riff incendiario, una voz desgarrada y una base ritmica brutalmente agil. Rock y funk inventando el Hardcorejazzfunk. Si Jimi Hendrix hubiera vivido en 1992 hubiera sido guitarrista de Rollins Band. "Grip" es laberintica, retorcida como si Black Sabbath tocaran canciones de Parliament. Un comedido Henry intimida con cada fraseo. "Tearing" es agil, briosa. Una cancion que ha necesitado de varias decadas para sonar actual. "You Didn't Need" es un misil tierra aire. Un disparo a quemarropa. Te deja con las trIpas colgando. "Almost Real" son 8 minutos de garra. Imaginar a los Led Zeppelin de "The House Of Holy" atrapada en el cuerpo de unos Black Flag veteranos. Hanry no canta escupe palabras. La musica se estira y se encoge al ritmo que marca Henry. "Obscene" es tribal, atmosferica, jazz del futuro. Es Miles Davis en un grupo de hardcore. Con Coltrane y Mingus a su lado desquiziando a las notas musicales. "What Do You Do" es funk marciano. Al lado suyo Red Hot Chili Peppers hacen Pop adolescente... ¿O no es eso lo que hacen?. Los 12 minutos de "Blues Jam" son para guardar en una caja fuerte. Cuatro almas en estado chaman. En la aparentemente simple "Another Life" la banda factura sus mejores minutos del album. Cierran con otro claustrofobico tema de casi 11 minutos desgarrador. La música del combo es como ver a un volcán engullir el diamante más bello del mundo... un espectáculo desgarrador, emocionante y hermoso. Como el amor, su música es bella y dolorosa a la vez.
92/100




















martes, 20 de enero de 2015

AN EMOTIONAL FISH "An Emotional Fish" (1990)


                                              AN EMOTIONAL FISH " An Emotional Fish"

No puedo evitarlo. Se que debería hablar de grandes bandas que han cambiado el transcurso de la historia del rock y han influido a infinidad de bandas. En el blog ya lo he hecho. Mirar desde el principio hasta ahora y esta repleto de grupos influyentes. Black Flag, Minutemen, Minor Threat, Sonic Youth, Mudhoney, Gang Of Four, Can etc... Pero también me apetecía hablar de un grupo que parece haber desaparecido de la faz de la tierra. Un grupo que marco mi adolescencia. Un grupo que para nada cambio el transcurso de la historia del rock. Ni creo que haya en el planeta una banda influida por ellos. Gerard Whelan, Enda Wyatt, David Frew y Martin Murphy eran An Emotional Fish. Una banda irlandesa de rock. Simple y llanamente rock. Los más simples del lugar quizás les vean parecido a U2 pero eso se reduce solo a ser cuatro componentes y ser Irlandeses. Están más cercanos a Echo And The Bunnymen que a los de Bono. Su disco de debut cayó en mis manos a que en algún lugar escuche "Celebrate" su single de presentación y me enamore de ellos. Me compre el cassette y lo queme a escuchas. Unos años más tarde sacaron la continuación, "Junk Puppets" igual de disfrutable que su debut y desaparecieron. Era 1992 ni había Internet ni AEF eran seguidos por cantidades ingentes de fans. Un día hará un par de años en una tienda de discos de segunda mano de la ciudad conseguí en vinilo su disco de debut por un euro. ¡Un euro!. Fue llegar a casa y pincharlo y volver a tener 14 años. La magia de la música. Emocionarme al escuchar temas tan redondos como "Grey Matter", la tierna "Blue" o la rockera "Lace Virginia". Cantar a voz en grito "All I Am" o bailar como un adolescente de nuevo con "That Demon Jive". Que si, que no son nada del otro mundo pero para mi este disco es una joya. Al igual que mi chica la más guapa. Uno de mis discos favoritos de todos los tiempos. He buscado en vano su segundo trabajo, ni se puede descargar, ni comprar en iTunes. Y cuando pinchas el nombre de la banda no creas que la información se te abalanza... Son un misterio. Mi misterio. Si me tocara un euromillon me dedicaría a buscarlos y a convencerlos de que volvieran... ¡total vuelve cada mierda!. Su cancion "Celebrate" ha sido elegida el #11 mejor single irlandés de la historia. Eso comenta su enigmática pagina de Facebook. Hubo un tercer disco que jamas escuche "Sloper" y en 2002 volvieron o algo así y sacaron otro disco que jamas escuche así reza Wikipedia... 
Su disco de debut con diez cortes es un ejemplo de rock con clase a raudales, rabia bien empleada y un groove que muchos envidiarían. Pero nadie les recuerda por aquí. Una lastima.
90/100