Bad Brains "Bad Brains" (1982)

                

                                                     Bad Brains "Bad Brains"

Quizás uno de esos grupos por los que vale la pena vivir. Los miembros de Bad Brains se conocieron en el suburbio de Maryland. El guitarrista Gary Miller ya había tocado el bajo en varias bandas funkies de la zona y entre esos cambios de banda conoció a Darryl Jennifer, quien más tarde sería el bajista del grupo. Luego se les unieron los hermanos Paul y Earl Hudson voz y batería. Comenzaron como una banda híbrida entre el jazz y el funk llamada Mind Power. Al cabo de varios meses, un amigo los metería dentro del punk al escuchar a Dead Boys, tras ello, se transformaron totalmente y cambiaron su nombre a Bad Brains, por el título de una canción de mismo titulo de los Ramones.

A principios de 1978, los miembros del grupo vivían juntos en una casa de Bayway que Doc consiguió gracias al mánager de Rustler Steak House, donde trabajaba. H.R. y Darryl, también consiguieron trabajos, pero no duraban mucho, por lo que terminaron lavando autos. Earl trabajaba lavando ropa en el hospital. Más adelante, H.R. entró a trabajar en Atlantic Research and Development, una fábrica de bombas que manufacturaba Stinger y misiles MX. Darryl, sin permiso de conducir, pasaba a buscarlos a medianoche para ir a ensayar a la casa en Bayway. No es de extrañar lo explosiva de su música y de los atormentados textos. Tras ir creciendo como músicos con conciertos, singles y Ep's... En 1981 viajaron a tocar a California. En marzo de 1982  salió su primer cassette, considerado por algunos músicos como el mejor disco hardcore punk de la historia. No opino igual, gran disco pero no el mejor del genero. La cinta publicada por el sello especializado en cassettes Roir Tapes, contenía sonidos Thrash, Punk y Reggae, ya que se habían aproximado a la cultura Rastafari en 1980. Ese emblemático cassette era "Bad Brains".

"Sailin' On" tiene la esencia de la banda, melodías agresivas y pegadizas a la vez. Guitarras metálicas y de calidad. Una base rítmica oxigenada, funky y con mucho groove. "Don't Need It" es un intenso minuto de una banda a punto de explotar. Expresar más en menos tiempo es imposible "Attitude" es un himno. "The Regulator" muestra las inquietudes de una banda inconformista. "Banned In D.C" otro torpedo reinvindicativo sin igual. Sus filias Rastafaris suenan en "Jah Calling". Con "Suoertouch &Shitfit" vuelven a la violencia total. Frustracion hecha música. "Leaving Babylon" es un juguete, una genial cancion. Dando igual el estilo. "Fearless Vampire Killers" tiene un riff estupendo sobre el que construyen un clasico atemporal. Con "I" dan en el clavo. La redonda "Big Take Over" muestra el futuro del genero. Con la indolente "Pay To Cum" dan una patada en los testiculos a medio Washington. "Right Brigade" es otra joya. Los seis largos minutos de "I Luv I Jah" pueden llegar a ser algo pesados. 

80/100

Entrevista a Eric Erlandson (Hole)

                                           Entrevista a Eric Erlandson (Hole)

Hay músicos que por su status de estrellas crees que son de difícil acceso, no fue así con Eric.  Guardo un gran recuerdo de esta entrevista y de Eric. Por eso la recupero para todos vosotros. Eric el espigado guitarrista de Hole ha vivido en sus carnes la vorágine del Rock, del rock más sensacionalista y el más negro. Sus vivencias junto a la Yoko Ono del Grunge le han curtido. Ahora más reposado y con la sabiduría que te dan los años y el vivir al borde del abismo, nos ofrece una entrevista en exclusiva. En ella nos habla del primer ensayo de Hole, sus inicios en el mundo del rock, y sobretodo de la muerte. Testigo casi en directo de la autodestrucción de Kurt y de la perdida de su compañera de banda Kristen. Nos relata su visión del suicidio del líder de Nirvana a través de su excelente libro "Letters to Kurt". No hablara ni una palabra de más de Courtney, aunque ya no sea su jefa, nunca se sabe. Pero su amor a Kurt se desprende en cada palabra, y más Off the Record. Hoy sabremos de primera mano quien compuso "Live through This" entre otros asuntos.

Para empezar… ¿Cuando y por qué empezaste a tocar la guitarra?

"Durante mi infancia siempre tenía alrededor una guitarra y una gran cantidad de música de guitarra a través de mis hermanos y hermanas mayores que hacían sonar constantemente a los Beatles, Stones, Hendrix, Jethro Tull, y similares. Entonces, cuando estaba en cuarto grado, tuve un profesor que tocaba en una banda de covers de los Beatles. Me invitó a su casa y me dejo tocar su guitarra eléctrica a través de un pedal wah wah. Yo estaba fascinado con ella. Tomé una clase de guitarra acústica, pero realmente no podía poner mis dedos de manera adecuada para tocar guitarra clasica. Cuando tenía unos 13 años, escuché una canción de Aerosmith en la radio y yo decididamente me dije: "Voy a hacer eso!". Por lo tanto, me compré una vieja Rickenbacker eléctrica a un compañero de colegio y empecé torturarme a mí mismo en mi habitación durante horas y horas.Practicando sin parar".

¿Qué músicos son una inspiración para ti?

(Toma aire) "Jimmy Page, John Fahey, Mick Ronson, David Bowie, Pete Townshend, Keith Richards, Neil Young, Syd Barrett, Ace Frehley, Alex Lifeson, Rick Nielson, Joe Perry, Michael Schenker, Eddie Van Halen, Lou Reed, John Cale, Nico , Leonard Cohen, Buck Dharma, Jeff Beck, Lindsey Buckingham, Steve Howe, Steve Hillage, Bill Nelson, Brian James, Ron Asheton, Tom Verlaine, Robert Quine, Lydia Lunch, Sonic Youth, Michael Rother, Lydia Lunch, Arto Lindsay, Marc Ribot, Poison Ivy, Greg Ginn, Prince, Warren Cuccurullo, John McGeoch, Steve Jones, Rowland S. Howard, Blixa Bargeld, Keith Levene, Viv Albertina, Johnny Marr, Daniel Ash, Will sargento, Steve Albini, Lou Barlow, Mark Robinson , Kevin Shields, Greg Sage, Johnny Thunders, Joni Mitchell, Brian Eno, Robert Fripp…Creo que no me dejo a ninguno".

Mucha gente no lo sabe, pero tienes una licenciatura de Ciencias en Economía con especialización en marketing de la Universidad Loyola Marymount. ¿No?

"Sí. Mi padre era profesor de Literatura Inglésa y Decano de Artes Liberales en LMU. Él siempre me dijo que no importa lo que estudiara, lo importante es la experiencia de completar un grado. Esto te cambia. Esa no es la forma en que está ahora enfocado. Los niños sólo están pensando en cuál es el trabajo que pueden conseguir y qué sueldo van a recibir cuando salen de la universidad".

¿Es cierto que trabajaste para Capitol Records? ¿Qué hiciste allí?

"Si.Yo era un Contador de derechos para Capitol Records. Eso fue durante un par de años, mientras Hole se fue iniciando. Hice trabajos para Paul McCartney, Tina Turner, Billy Squier y varios otros. Fue un mindfuck total." (Risas)

¿Cómo creas tus canciones?. ¿Cómo fue la forma de crear música en Hole?

"Courtney traía las ideas y nosotros trabajábamos sobre esas ideas en los ensayos. A veces me gustaría crear un riff de guitarra y de ahí sacar un tema. Generalmente solemos perder el tiempo hasta que algo aparece. Nos enfocamos constantemente en la búsqueda de nuevos temas, experimentar y experimentar unos con otros".

¿Cómo fue el primer ensayo con Hole? Se que fue muy especial...

"Fue un puto lío. Dos jodidas niñas gritando locamente sobre mi guitarra, ruido para pajeros".

¿Podrías decirme en pocas palabras que son  y que significan para ti cada disco de Hole?

"Por supuesto… Pretty On The Inside es odio a tí mismo, todos los vestidos sin lugar a donde ir. Fue un hermoso ruidoso comienzo, medicamentos, amor y la inocencia".

En mi opinión vuestro mejor disco, "Live through This"…

"Bebés, agrietarse y romperse. Magia que proviene de la tensión, sufrimiento y drama".

Y que puedes decirme de Celebrity Skin…

"Celebrity Skin es Glam, caramelo, toda  tu alma fuera. El fin de siglo, fin de un milenio, final de una banda. No hay vuelta atrás".

¿Cómo te sentiste cuando Courtney comenzó a ser más importante por ser la esposa de Kurt que la cantante de Hole?

"Es la naturaleza de la fama. Tienes que entenderlo, aceptarlo, y darte cuenta de que eso está vacío. Seguí mi enfoque en las personas que verdaderamente me rodean y no las fotografías".

¿Puedes explicarme la evolución del punk al pop de los álbumes de Hole?

"Siempre seguimos nuestros corazones y nunca queríamos repetirnos. Y con Courtney alrededor, nunca tuvimos que preocuparnos acerca de convertirnos en un grupo aburrido".

Desde la distancia parece ser una mala mujer pero sé que no es cierto.¿Cómo es realmente Courtney?

"Fuera del escenario era un gatito y un demonio a la vez. Nunca se sabía lo que ibas a conseguir y que Courtney te ibas a encontrar. Todos tenemos diferentes karma y juzgar el karma de otra persona es una tontería. No hay manera de que tu, yo o cualquier otra persona sepa nunca lo que se siente al ser ella, y menos, vivir dentro de su cabeza. Así que, yo diría que no, no es una mala mujer. Estamos todos locos. Sólo que a diferentes grados de locura".

¿Cómo te sentiste cuando Kurt muere?. Y más tarde la perdida de Kristen. Debió de ser duro…

"Sí, fue duro. La muerte nunca es fácil. Pero espero que podamos comenzar a llegar a un acuerdo con ella, cuando estemos frente a ella, y por lo tanto, entender la verdadera naturaleza de la vida".

¿Es cierto que Kurt y Billy Corgan os ayudaron a crear  algunas las canciones de Hole? 

" Billy Corgan nos ayudó con algunas canciones en Celebrity Skin. Kurt no escribió canciones para nosotros jamas".

¿Cómo te sentiste cuando Hole se detiene?

"Una mezcla de sensaciones. Un gran alivio. Una tristeza profunda. Un nuevo comienzo y tiempo para reflexionar".

Hubo un conato de regreso de Hole en 2012. ¿Podemos esperar un tour o un disco?¿estás trabajando en eso?

"No hay regreso de Hole que yo sepa. Estoy trabajando en mi propia música y espero estar de gira pronto".

¿Cómo fue la experiencia de Rodney & The Tube Tops?

"Ese proyecto fue sólo diversión, diversión y diversión. Nos lo pasamos muy bien en el estudio con amigos".

Creo que tu experiencia con Rriiccee no fue tan agradable. ¿Verdad?

"Tienes razón. No fue agradable, pero a su vez fue una gran lección. Tuve la oportunidad de improvisar y vivir cada show, y sobretodo de desafiarme a mí mismo".

Después de tantos años de carretera, ¿Cual dirías que fue vuestro mejor show?

"Probablemente nuestro último concierto, que fue en Vancouver en 1999".

¿Cómo recuerdas a los fans españoles?

"Recuerdo nuestros fans españoles como unos de los mejores del mundo. En general, los españoles tienen mejor gusto para la música que otros países. Te pones a mirar algunos grandes festivales que se realizan allí y son verdaderamente eclécticos. No puedo esperar para visitar tu país de nuevo algún día".

¿Cómo llegaste a la decisión de estructurar tu libro como 52 cartas a Kurt Cobain?. La verdad es que es un enfoque diferente…

"Yo ya había estado escribiendo durante años, jugando con diferentes formatos para mis historias. No importa cuánto lo intentara, la memoria estándar de la roca no estaba trabajando para mí. Las letras salieron espontáneas del proceso de escribir todos los días en mi diario. Después de escribir unas 30 de ellas pensaba que estaba hecho. Pero todavía faltaba algo. Comencé a vivir el libro mientras lo escribía, y siguió viviendo hasta que fue a través de mí que tomo vida. 52 sonaba como un buen número para dar por terminado el libro. Al igual que una baraja de cartas. Al igual que una escalera real".

Las letras son tan crudas y personales, este hecho hizo que pensaras que jamas se publicaría.

"Ahora mismo, cuando apareció la primera letra, yo sabía que estaba ante algo diferente, especial, de alguna manera. Pero a medida que continué me fui sintiendo seguro de cómo muchas de las cartas estaban siendo escritas, y si podrían publicarse nunca. A medida que evolucionan, empecé a verlas en forma de libro. A veces yo las temía. Pero también creía que era importante para mí dar un paso fuera del camino marcado.  Al final el libro es una experiencia íntima, catártica y pulida…lo que sea".

¿Cuál fue tu impresión de Kurt Cobain cuando lo conociste por primera vez ?

"Parecía un niño travieso, un niño de alma intratable. Sentí una intrepidez en él que era inquietante. Finalmente me empecé a sentir como un hermano mayor. Sentía que debía dar protección a su genio. Era un ser con problemas".

¿Te consideras un superviviente del rock 'n' roll? Has sobrevivido al legado de las drogas y la autodestrucción.

"Tenía un pie en la puerta, con un pie en el pasillo, en doble fila con mis luces de emergencia. He tenido suerte. Salí bastante indemne, y aun soy capaz de transmitir lo que vi allí".

 En medio de un gran dolor también hay mucho humor.¿Cómo se puede caminar sobre esa delgada línea?

"El humor es un gran bálsamo. La vida es seria, pero no debe tomarse demasiado en serio. Mi familia se sobrepuso así con mi padre en cuidados intensivos y contaba chistes mientras le retiraban el soporte vital. Lo llevo en la sangre. Ando esa línea como un borracho, me inclino ante Johnny Cash".

¿Cuáles son tus influencias literarias principales de este libro?

"Los poetas Beats, Bukowski, Berryman. Luego está Rilke, Beckett, Dylan Thomas, Leonard Cohen, Bob Dylan, incluso Andrei Tarkovsky. El libro de Patti Smith "El Mar de Coral", con los poemas en prosa en honor a su amigo Robert Mapplethorpe, fue una gran inspiración. Y, por supuesto, Jim Harrison".

¿Cuál es la relación entre la música y la escritura para ti?

"La construcción de una pieza de escritura es muy parecido a la construcción de una pieza musical. Me siento y espero a que llegue la inspiración  en forma de riff o de unas frases hasta que algo se pega. Muchas líneas en el libro vinieron a mí mente como si fueran canciones. Durante un taller de escritura, una vez alguien se dio cuenta de que había leído con los pies muy separados, en la postura de un guitarrista. Para mí, la escritura y la música son tanto mental como visceralmente,  algo muy conectado con el cuerpo y la mente".

¿Que piensas del suicidio de iconos musicales como Kurt Cobain o Elliott Smith?. Eso pone en riesgo a jóvenes que luchan con la depresión. ¿No crees?

"Por desgracia, los fans ponen a sus ídolos en un pedestal. Muchos ven en ellos respuestas a los problemas en sus propias vidas. Ellos pueden fácilmente confundirse y pensar que la solución del suicidio de su artista favorito es válida. No lo es. Los Artistas son humanos, y por lo general , tienen problemas extraordinarios que van junto con sus extraordinarios talentos. Cometen errores, unas veces fatales. La vida humana es preciosa y nunca se debe tirar o quitar".

¿Qué te llevó a incluir una selección de Recursos para la prevención del suicidio en la parte posterior del libro?

"He aprendido mucho del tema al escribir este libro, participando en paseos de la conciencia del suicidio, hablar con los amigos que han perdido a seres queridos, la investigación, la lectura. El libro de Thomas Joiner, sobre todo, me ayudó a ganar una mayor comprensión del suicidio. Después de todo el juego de palabras, el humor y la reflexión personal en mi libro, yo quería asegurarme de que el lector recuerda el verdadero problema, el verdadero problema que sólo puede resolverse cuando se enfrenta a el, enseñado acerca, estudiado, reflexionado sobre, y llevando cada vez más a la gente a reflexionar. Recuerdo cuando un compañero, un buen amigo mío se suicido en la secundaria. Los profesores apenas lo mencionaron, y se trasladaron de inmediato a cualquier tema "importante" que estaban enseñando en ese momento. Ese mismo estigma que persiste en la actualidad. Ante eso todo el mundo quiere pasar pagina rápido"

Jane's Addiction "Ritual De Lo Habitual" (1990)

                                  Jane's Addiction "Ritual De Lo Habitual" (1990)

Si con 15 años tropiezas con este disco, recién editado, por una de esas casualidades de la vida, te juro que tu vida cambiara para siempre…

Estas 9 canciones tienen un poder extremadamente peligroso, un magnetismo tremendo, casi mágico. En aquella época, con mi paga semanal te daba para un cassette o dos al mes, si conseguías una oferta o alguno de segunda mano, te daba para cuatro. Así que tu pequeña colección crecía poco a poco. No había margen de error pues un paso en falso suponía mirar un cassette inútil en tu pequeña colección. No salía, no tenia vida social cada peseta se destinaba a alimentar mi apetito musical.

Nada mas ponerlo en el walkman y escuchar esa voz femenina advierténdonos del peligro que corríamos, me estremeció… Y mis pupilas se dilataron al máximo solo con escuchar el riff de "Stop". El veneno ya estaba surgiendo efecto… No había palabras para describir los sentimientos que despertó la voz de Farrell. No es el mejor cantante del mundo, pero su forma de cantar me atrapo, inmediatamente me dedique a traducir las letras y ahí ya si que el efecto fue devastador… Atrapado en un mundo perverso que me asustaba y me atraía a la vez.

Por muy malos discos que saquen y muchas  tonterías que hagan, Jane's serán siempre uno de mis grupos favoritos. Hasta la tumba. Hay muchas emociones de mi vida atadas a esas canciones.

La fuerza de la base rítmica no tenia igual, y no hablemos de la guitarra de Dave Navarro! Ese hombre era para mi Jimi Hendrix y Jimmy Page juntos!. 

"No one's leaving" es un tiro en la cabeza, acelerada, directa al alma, todo va encajando a medida que avanza la canción. Una canción que muta su forma, se estira y se encoge, juguetea con tu cerebro hasta que el solo te revienta la cabeza. Estas enganchado, hasta el final de tus días , vivirás enganchado a este disco. Jamas he probado las drogas, este disco es mi droga.

22 años después de escucharlo por primera vez, sigue sonando actual, fresco la magia sigue intacta. Eso es debido a unas canciones enormes, sobrenaturales, tocadas por la varita de un ser sobrenatural. Pero también es gracias al excelente trabajo en la producción de Dave Jerden.

"Ain't no right" empieza con un speech de Farrell, realmente escalofriante una especie de mantra que se grabo a fuego en mi subconsciente. Eric Avery, demuestra que un bajo es la sangre que bombea un grupo, es de esas lineas de bajo, que se alojan en lo mas profundo de tu corazón. Es una canción épica, sublime, no puedes ser humano si escuchando esta canción tu pulso no se altera. Es mi chute de heroína. Es mi madre superiora.

Creo y lo digo sinceramente, que me enamore por primera vez al escuchar este disco. Y es mi amor eterno, jamas nos abandonaremos.

"Obvious" empieza lejana, pero enseguida te atrapa, una vez pasa eso, la melodía de Perry, se tatúa en tu piel… Grita, jalea, suspira y se estremece, eso hace la voz de Perry en esta canción. El trabajo de Dave aquí es sublime, su guitarra tiene mil matices y el martilleante piano se te clava en el cerebro. Todo junto es tan grande que te dan ganas de salir a la calle desnudo y gritarla hasta caer rendido,extasiado, muerto de felicidad. Ni en mil vidas podré explicar mi amor por ella.

"Been caught stealing" es lo mas parecido a un single comercial que jamas grabo y grabara Jane's Addiction, inconscientemente, esta canción es un canto de sirenas al mas puro estilo de la Odisea de Homero. Me rio yo de "Smells like tren spirit".

Y llegamos a la cara B, si cara B porque para mi es así. "Three Days" es la canción mas grande, épica, monumental, que jamas grabo la banda. Es un disco entero, en una sola canción. Aun a día de hoy, sigo encontrando matices ocultos. Ni sobra ni falta nada… Son los 10:49 minutos mas importantes del Rock Alternativo americano de la Historia. Tengo poco amor a los tatuajes y esas cosas, jamas creo, me haré uno pero durante años fantasee con tatuarme Three days en alguna parte de mi cuerpo.

No hay palabras para describir lo que sentía cada vez que la escuchaba tumbado en mi cama a oscuras… Ensimismado, perdido dentro de esta sublime creación. Tendría que estar en un museo! En el Louvre, el Moma o en el jodido Tate Modern.

Tras la catarsis emocional de "Three days" es lógico que llegue un tema tranquilo, relajado, "Then she did" te ayuda a volver al mundo real sin sufrir problemas cardiacos. Ensoñadora como pocas es como un chute de cloroformo, morfina para tu alma, relaja tu cuerpo, y adormece tus sentidos. Los arreglos de cuerda en esta canción son espectaculares, van creando una atmósfera in crescendo realmente apabullante. Dotan a la canción de un músculo y una tensión oculta realmente dañina. Una de esas canciones en las que todo esta pensado al milímetro, todo encaja a la perfección creando un monstruo que te devora, te roba la respiración para apoderarse de tu cuerpo y llevarte a donde el quiere… Al abismo.

"Of Course" con esos violines Zingaros y esos aires arábigos, te advierten que las emociones no han acabado, la montaña rusa de las emociones a flor de piel van a seguir hasta el final. Con una de las mejores letras del disco, es una de las 9 canciones que van por libre, respira otra atmósfera, hasta que el crescendo lírico e instrumental de la misma te atrapan de peor forma que las otras… estas de nuevo a merced de este diabólico ente. Y es que aun a día de hoy creo que este disco tiene algo de magia negra dentro, maldita droga.

"Classic Girl" cierra el conjunto de la mejor manera posible, con el grupo dando lo mejor de si… Navarro sacando a su guitarra las mejores notas posibles, Farrell poniendo su corazón en cada fraseo. Perkins aporta siempre el latido y el ritmo necesario en cada momento, por su parte Eric demuestra que sin su bajo, el alma de Jane's es otra.

Y llega el final, despiertas, extasiado, agotado y es que mas que un disco de música "Ritual de lo Habitual" es un viaje lisérgico a lo mas profundo de tu alma.

100/100

Entrevista a Dave Krusen (Ex-Pearl Jam)

                                         Entrevista a Dave Krusen (Ex-Pearl Jam)

Me apetecía recordar una entrevista, la que le realice a uno de los mejores baterías de rock. El era el bateria que toco en el mejor disco de la banda de Seattle. "Ten" fue sin duda un gran debut. Con un curriculum que tira de espaldas y siempre embarcado en mil proyectos el magnifico batería Dave Krusen, nos atiende con una amabilidad realmente poco inusual. No esquiva ninguna pregunta relacionada con su polémica salida de Pearl Jam ni parece guardarles mucho rencor. Más entusiasta se muestra sobre sus días en otras bandas de gran calidad como Hovercraft, Matchbox Twenty o Unified Theory. Amante del Jazz, es uno de los mejores baterías actuales y sin dudas el mejor que pasó por las filas de Pearl Jam. Descubramos un poco más a Dave Krusen.

Eres un hombre muy ocupado. ¿Qué estás haciendo ahora? 

"Actualmente toco la batería para Nine50nine, Maria Ida, Henry D Fenton, Lowlight, Birdtime La La La, y Abandon Jalopy. También tengo mi propio estudio de grabación y hago sesiones de grabación para una amplia variedad de artistas, así como sesiones de grabación de todo tipo de bandas de L.A".

Me encanta tu manera de tocar la batería. Tu estilo es muy orgánico, fluido, parece que sobrevuela sobre las canciones. Para mí tienes una influencia muy  grande del Jazz. ¿No es cierto?

"Gracias por el cumplido! Yo soy un gran fan del jazz, especialmente el jazz  de clarinete de la década de 1940. Buddy Rich fue una gran influencia para mi cuando era joven. Más tarde llegué a Elvin Jones, Roy Haines, Max Roach. Y crecí escuchando y amando la batería de John Bonham, Charlie Watts, Ian Paice. A continuación, Stewart Copeland,  fue quien se convirtió en mi mayor influencia allá por la década de los 80. Alrededor de 1982 me convertí en un gran fan de Steve Jordan, que si tuviera que elegir un batería, yo diría que él, es mi mayor influencia y uno de mis músicos favoritos, así como productor también".

¿Cuáles son tus influencias? ¿Tiene musicales estudios académicos?

"Cuando tenía 10 años tocaba el tambor en la banda de la escuela y me lo tomaba muy en serio, trabajado muy duro en ello. En el momento en que tenía 14 años fue cuando toque mi primer kit de batería para el coro de la escuela de jazz. Aparte de eso, mis maestros fueron mis influencias. No me atrevo a decir que nadie es verdaderamente autodidacta".

¿Cuáles son tus "manías" para grabar?

"Me gusta trabajar con músicos con los que pueda tener un buen feeling  y  que haya un buen groove. Ademas me gusta trabajar con los productores que ven la grabación o la creación como un cuadro grande, que desean capturar un ambiente, en lugar de ser demasiado detallistas".

¿Es diferente tocar en un disco como músico invitado a tocar en un grupo y ser parte de la banda? 

"Prefiero estar en una banda a hacer solo de músico de sesión porque en ese caso tienes algo que decir en el proceso, cuando no eres más que un músico a sueldo, no tienes opinión".

¿Cómo se crea  música cuando se es un batería? 

"Me gusta crear partes de batería que se conjunten con  la guitarra rítmica y  con la linea vocal en su mayoría de veces".

Naciste en Tacoma, ¿Cómo influyo eso en tu música? 

"No creo que la zona en la que nací provocara algún efecto en mí musicalmente. Tal vez el hecho de que llueve mucho, y eso provoca que dispones de una gran cantidad de tiempo en casa para trabajar en la música".

Has tocado en unas bandas muy particulares, ¿Podemos hablar de estas bandas y tus días en esos grupos?. En primer lugar, ¿Cómo es tocar en una banda tan "Mainstream" como Candlebox? 

"La verdad es que he disfrutado mucho tocando en Candlebox. Toque en "Happy Pills", en la banda sonora Waterboy "Into The Sun" en unas ocho canciones, y también  toque la batería en su ultimo disco "Love songs and other usings" lo registramos el año pasado".

¿Te sientes cómodo siendo parte de una banda? 

"Me encanta estar en una banda. Aunque es muy difícil mantener una banda sin embargo".

Estoy muy interesado en tus días en dos bandas, Hovercaft seria una… ¿Cómo fue tu experiencia con ellos?

"Hovercraft fue una gran experiencia, y una de mis cosas favoritas que he hecho. Uno de mis grupo favorito. Estuvimos girando sin parar, ¡Incluso abrimos para los Who!. Fue en una gira por Europa, nunca llevábamos un set list, tocábamos simplemente todo lo que venia a nuestras mentes cada noche. Todo era improvisado, cada vez que tocábamos. Como un cruce entre el free jazz y el death metal. Una autentica locura…".

¿En Hovercraft utilizabas un alias, te hacías llamar Karl 3-30? ¿Qué hay detrás de la historia? 

"Si es cierto… Queríamos que el enfoque fuera nada más que en la música y pensamos que tener alias ayudaría con eso. Nunca tuvimos luces sobre nosotros cuando tocábamos, sólo una película que se proyectaba detrás de nosotros. Era lo único que veías la película".

La otra banda que me interesa sobremanera es Unified Theory. Yo soy un gran fan de Brad Smith. ¿Cómo fue ser parte de ese proyecto?

"Unified Theory fue una gran experiencia. Incluso seguimos siendo buenos amigos. He trabajado con cada uno de ellos muchas veces desde que la banda dejó de hacer música. Aunque es posible que nosotros o ellos solos puedan hacer otro disco, yo no creo que eso ocurra".

¿Es posible un regreso? 

"No lo veo probable".

¿Cómo recuerdas los días que estabas en Seattle y tocabas en bandas como Agent Boy, Gary Williams, Tramps of Panic, Liar's Club or Warm Drive?

"Me asombra lo mucho que sabes sobre mi. (Risas) Todas esas bandas que citas, eran muy diferentes unas de otras pero yo aprendi mucho de cada experiencia. Fue genial formar parte de esas bandas".

¿Te imaginabas que un día todo el mundo iba a mirar a esa ciudad?

"Seattle y el noroeste, en general, tiene un ambiente muy creativo. Grandes bandas había venido antes de allí como The Sonics  o Jimi Hendrix, así que no me sorprendió en absoluto el talento que hubo en esa zona en la década de los 90".

Tu fuiste parte de la primera formación de Pearl Jam. ¿Cuéntanos la historia como fue ser parte de la banda?. 

"Recibí una llamada de un amigo diciéndome que Jeff y Stone estaban buscando un bateria para tocar con ellos. Asi que llamé a Jeff, y él me invitó y funciono, hizo clic musicalmente, por lo que me preguntó si quería volver a tocar con ellos de nuevo. Luego, después de un mes o dos de ensayar con ellos me pidieron para unirme a la banda".

Estabas en la banda desde el principio… Quiero decir antes de que Eddie Vedder fuera el cantante?

"Eddie fue elegido para ser el cantante antes de que yo fuera elegido para ser el bateria, pero como yo vivía en Seattle  si que toque con la banda antes de que él llegara".

¿Cómo recuerdas esos días?

"No los recuerdo"

He hablado con muchos de los músicos de la escena grunge y con gente como Bruce Pavitt y tengo la impresión, quizás equivocada de que eran dos escenas lo que había en Seattle, dos bandos. Tad, Melvins, Mudhoney y Nirvana y el otro bando con Malfunkshun, Pearl Jam, Alice In Chains o Mother Love Bone. es verdad?

"Yo creo que eso es mentira. Esas bandas que citas son todas las grandes bandas".

¿Llegaste a  conocer al gran Andy Wood? 

"Yo soy un gran fan de su corta carrera, lamentablemente. Nunca conocí a Andrew Wood en persona, pero era un gran fan de él, eso seguro"

Ten es para mucha gente en la que me incluyo el mejor álbum de Pearl Jam. Tu trabajo con la batería y las percusiones en ese disco hacen a la banda sonar mejor que nunca. ¿Cómo fue la grabación de ese disco?

"¡Gracias! Habíamos trabajado muy duro escribiendo y practicando las canciones, así que cuando entramos en el estudio ya teníamos una idea de lo que estábamos haciendo…Sabíamos que era un buen álbum".

¿Cuál es tu opinión sobre sus últimos trabajos?

"Sigo siendo fan de Pearl Jam".

Yo también pero "Ten" me parece su mejor disco…"Hype" es un gran documental, ¿da una visión real de Seattle? 

"Nunca vi Hype".

Leí la motivación que tuviste para abandonar Pearl jam, pero no sé si es verdad. ¿Que fue lo que realmente sucede entre vosotros?

"Tuve un problema con la bebida muy grande y tuve que dejar la banda, momentáneamente. En ese momento yo acababa de tener un hijo que tendría un par de semanas de edad, así que tuve que ir a rehabilitación y cuando salí, habían cambiado, así que hice lo mismo. La música es una parte muy importante de mi vida, pero no lo es todo".

En el pasado, en algún momento se te pidió que regresaras a Pearl Jam? 

"Bueno, si me preguntaron, yo nunca lo supe. Si ellos me preguntaran de nuevo ahora, la respuesta es que aceptaría en un santiamén. Es la mejor banda en la que he tocado nunca".

¿Está interesado en escribir tus memorias?

"Seria interesante. Yo podría escribir un libro algún día de estos".

En nuestra revista somos unos grandes fans de tu trabajo,tienes un montón de fans en España, algo que decirles?

"Si, Te amo España! Gracias por su apoyo, significa mucho para todos nosotros, los músicos y me siento honrado de saber que algo que era una parte de mi tiene mucho significado para vosotros. Espero que nos encontremos de nuevo pronto".

Johnny Foreigner "You Can Do Better" (2014)

                                    Johnny Foreigner "You Can Do Better" (2014)

La banda de Birmingham son todo lo que hace tiempo necesita la industria musical más underground.  Ellos si son indies de verdad. Ruidosos, urgentes, primitivos, con influencias reconocibles pero con personalidad propia. Algo muy difícil de lograr. Una banda con bagaje, este es su quinto disco, que pueda dar un pelotazo importante.  A mi me llenaría de orgullo. "You Can Do Better" son 10 bombas de neutrones. Listas para explotar. Un disco que se te clavara en el cerebro. Te lo pondrán del revés y te harás adicto a su música de inmediato. Toman prestados los juegos vocales de Pixies, la actitud punk de Nirvana, la visceralidad de Sonic Youth y el amor por las melodías de los Pavement iniciales por poner un ejemplo... Pues aunque parezca imposible, suenan originales. "Shipping" es una ametralladora MG 42, "The Last Queen Of Scotland" es un Panzer y "Wifi Beach" la Luftwaffe al completo. Su música es un martillo pilón, robustas y chirriantes guitarras en combustión con bajos serpenteantes y baterías sádicas. El caos semicontrolado de "Le Schwing" pone los pelos de punta. Acaban el disco de la mejor de las maneras arrasándolo todo con "Devastator" que incluye un bello tema oculto. Me encanta el olor a napalm de Johnny Foreigner por la mañana, por la tarde o por la noche. Son como un polvo salvaje con una desconocida un viernes noche tras una noche de fiesta alcohólica. De esos polvos que se alargan hasta el lunes. Cuando vuelves a la oficina y les cuentas a todos que has encontrado a la mujer de tu vida... aunque no lo vuelvas a ver.

80/100

Violent Femmes "Violent Femmes" (1983)

                                                Violent Femmes "Violent Femmes"

Hay grupos que te roban el corazón así, en un chasquido. Al igual que hay mujeres que aparecen en tu vida y que en un parpadeo se han instalado en tu corazón. Tanto en un caso como en otros no tienes nada que hacer, estas a sus pies. Las conoces, hablas con ellas y te fascinan. Te quedas colgado de ellas. Y si tienes la suerte de que ese maravilloso ser es bueno. Tendrás momentos maravillosos. Con los grupos como Violent Femmes pasa lo mismo, una vez entran en tu vida y te conquistan tu vida gira entorno a ellos. En el caso de la música el grupo puede desintegrarse y dejarte con el corazón hecho añicos. Con la chica puede ser igual o peor. Yo he tenido la suerte de encontrar un par de esos grupos que me robaron el corazón... The Replacements o Violent Femmes. Pero también me tropecé con sus versiones femeninas. Un par quizás... Una acabo fatal. La otra esta por ver. Es lo primero que aparece en mi mente y lo ultimo que recuerdo antes de dormir. Con los Violent Femmes me pasa igual. Mucha gente cuando le hablas de ellos se ríe. Al igual que hay colegas que se mofan al hablarles de esa chica especial. El amor es dichoso y en ambos casos inexplicable. Si tenéis el disco...Ponerlo. Sino lo tenéis...Conseguirlo. Cerrar los ojos y en unos segundos estaréis sonriendo.

La banda fue formada por Brian Ritchie y Victor DeLorenzo en 1980 y la formación se completó con la entrada de Gordon Gano. En sus inicios solían tocar en cafés y en las calles. El 23 de agosto de 1981, James Honeyman-Scott integrante de Pretenders, se interesó por su música cuando los vio tocando en frente del local en el que su banda iban a actuar esa misma noche, de tal manera que Chrissie Hynde les invitó a compartir escenario.

Así fue como el grupo se dio a conocer y posteriormente firmó con la discográfica Slash Records con la que publicaron este disco en el año 1982.

"Blister Of The Sun" es destartalada, un folk cochambroso pero con un encanto descomunal. Siguiendo el símil anterior es ver a esa chica que te ilumina la vida, recién levantada en pijama. Imaginaros que una vez ambos habéis pasado por el baño... Os besáis. Pues la música que produce tu corazón seria "Kiss Off". Si por desgracia eso no sucede, y ella marcha con otro. "Please Do Not Go" muestra como te sientes... Deprimido, triste y dolorido. Como Gano aullas dolor. Querrías ser el tipo afortunado que la tiene en sus brazos, que la besa y logra hacer el amor con ella mientras tu solo sueñas con acariciar su pelo. "Add It Up" es un blues acelerado. Con un pulso nervioso. Un beso pide Gano como tu... Tu chica ha cortado con ese tipo, se porto mal con ella, no la quería como tu. El solo quería sexo. La banda logra un clima parecido a un tsunami de emociones casi infantiles. Cuando ella confiesa sus tristezas, tu sufres como Gano. "Confessions" es lo que se cruza en tu cabeza justo cuando a la hora de charla ese ángel sonríe. Quieres confesarle tu amor. La canción es un delicado tema acústico tan minimalista como electrizante. "Prove My Love" es valiente. Un tema soberbio, con una cadencia casi militar. Toca demostrar tu amor. Si logras demostrarlo saldrás vencedor. Una melodía pop superlativa adorna una música trotona y divertida. Las mariposas del estomago. "Promise" es un psedorock con Gano jugando a ser malo. Esa chica siempre estuvo con malotes y sufrió mucho y tu sin querer temes ser demasiado blando. Y le haces una promesa... Seras siempre tu mismo. La canción es una canción típica de la banda con la banda mezclando folk con pop y punk creando una de las joyas del disco. "To The Kill" Es desestructurada. Como cuando dos persona empiezan a salir y comienzan a conocerse chocan, malentendidos y bobas peleas. Con "Gone Daddy Gone" la banda crea uno de sus grandes hits, un hit a su manera, claro. Tu y tu chica tenéis ganas de poner tierra de por medio salir de casa de papa y mama e irse a vivir juntos es el siguiente paso natural. Brutal solo de xilofon. Gordon desnuda su alma en "Good Feeling" y al igual que tu solo tienes buenos sentimientos... "Ugly" es el siguiente tema. Un rock visceral que retrata como te ves delante de un espejo o a su lado. Feo. Gordon grita como puedo ser tan feo y gustarte. Justo la misma pregunta que te haces tu una y otra vez. Finaliza el disco con "Gimme The Car". Otra redonda pieza de orfebrería marca de la casa. Ella siempre se marcha en su coche... Algún día seréis los dos los que marchéis en ese coche, hacia vuestra casa y os besareis, la tocaras y le harás el amor pero por ahora es solo una gran canción de Violent Femmes. El resto pura imaginacion.

90/100

Butthole Surfers "Psychic...Powerless...Another Man's Sac" (1984)

                            Butthole Surfers "Psychic...Powerless...Another Man's Sac"

La verdad es que no hay términos medios con esta banda o los amas o los odias. Yo sin decidirlo realmente soy de los primeros... Los Butthole Surfers nacieron en la Universidad de San Antonio en el caluroso estado de Texas a finales de los 70's. Gibby Haynes y Paul Leary se conocieron allí. Aunque fue su rareza y sus extravagantes gustos musicales lo que les hizo amigos rápidamente, Dead Kennedys y Captain Beefheart en concreto. Ambos parecían dirigirse a vidas cotidianas. Haynes, siendo el capitán del equipo de baloncesto de Trinity, así como el "Contable del año" de la escuela, pronto se graduó a una respetada posición en los puestos de contabilidad de Texas, mientras que Leary permaneció en la escuela estudiando.

En 1981, Haynes y Leary publicaron el fanzine Strange V.D., la cual incluía fotos de enfermedades anormales, junto con explicaciones de un humor recalcitrante e irrespetuoso marca de la casa y ficticias acerca de éstas. Después de ser sorprendidos elaborando estas imágenes en el trabajo, Haynes dejó su empleo y se mudó al sur de California. Por su parte Leary, en ese momento apenado por su carrera, salió de la escuela para seguir a su amigo. Después de un breve periodo empleado en vender ropa hecha en casa y lino adornado con la imagen de Lee Harvey Oswald, la pareja regresó a San Antonio, y comenzaron la banda que eventualmente sería los Butthole Surfers. Haynes y Leary hicieron su debut en directo en la galería de arte de San Antonio en 1981, en ese tiempo no tenían bien establecido el nombre de Butthole Surfers. Por 1982, la banda fue apoyada por el familiar ritmo del bajista Quinn Matthews y su hermano, el baterista Scott Matthews. Justo antes del debut de Psychic..., y con el nuevo bajista Terence Smart en cargo (el primero de varios a través de 1986), la banda comenzó su primer tour mundial. Fue en estas salidas en las que realmente establecieron una presencia nacional, empezando en las primeras instalaciones de Touch and Go en Detroit, antes de irse a New York, donde impresionaron a los miembros de  Sonic Youth.

El disco consta de 11 a cual más emblemático y referencial. una obra capitalina del indie rock. "Concubine" es una cacofonía reconstructiva. Como contemplar un accidente de trafico. Duele pero no te apartas. La voz de Gibby por megáfono ya en sus inicios era algo propio e instructivo. "Eye Of The Chicken" es un amasijo de ruidos. Mutilación sonora. "Dum Dum" es como coger un viejo blues, pervertirlo, ponerlo del revés y bañarlo en ácido... Dolor. "Woly Boly" tiene un riff inicial totalmente grunge. Pero es un psycobilly acid trip song. Como si The Cramps estuvieran de viaje con los Sex Pistols. "Negro Observer" es un ponzoñoso tema. Recargado y asfixiante hasta la muerte. "Butthole Surfer" es un himno y poco más podemos añadir. Solo que en directo con sexo implícito, drogas, alcohol y demencia podría ponerte el cerebro del revés. ¿Tom Waits? ¿Transgresor? ¡Menuda risa!. "Lady Sniff" con su solo de eruptos es superior en decadencia que toda la discografia del genial Black Rider. "Cherub" es un cohete que se nos estrella en los morros y nos pone las vísceras del reves.Seis minutos de viaje atormentado al interior de un esquizofrenico. Mi favorita "Mexican Caravan" huele a sexo. Sucio, torpe, decadente y degenerado. Como debe ser el buen sexo. Las guitarras chirrían, el bajo se adelanta y se pierde con una batería que funciona a trompicones. Como ese polvo alcohólico que funciona a golpes de cadera. Amor a pollazos. "Cowboy Bob" un enajenado himno para un país inventado donde reina la anarquía y el terrorismo. Más cerca del Nacional socialismo alemán de lo recomendable. Cierran con su ultimo intento de canción medianamente seria y pese a fallar de nuevo es uno de los más bonitos fracasos de la historia reciente del rock.

80/100

Kyuss "Wretch" (1991)

                                                           Kyuss "Wretch"

Quizás a día de hoy suene pedante decir que prefieres a Kyuss a Queens Of The Stone Age. La magia escondida entre los surcos de los temas de Kyuss brillan por su ausencia en la banda de Homme. Tienen buenos discos pero esos son a mi juicio el debut por su cercanía a Kyuss, su disco más personal el ultimo y sobretodo un opresivo disco como "Lullabies To Paralyze". El resto deambula entre el rock Mtv más mainstream y el metal sin alma más vergonzante. En Kyuss todo encajaba, la voz de John Garcia, las guitarras de Josh y las diferentes bases rítmicas ya sean con Oliveri o Brant Bjork. Casi el 99% de los fans de la banda lo fueron tras su disolución de ahí a que Kyuss sea una banda de culto. Yo compre "And The Circus Leaves Town" cuando salio a la venta por ejemplo. No inventaron nada y lo inventaron todo. Quizás meterlos en este blog Indie para muchos no tenga sentido...Pero a estas alturas del partido ya sabéis que significa realmente el indie para mi. Odio con toda mi alma a gente como Arcade Fire o Radiohead cuando se les encumbra como totems del indie... ¿Disfruto su música? A duras penas, pero que encima se les ponga en el saco indie y sus fans me crispan. Jamas discutirás con un fan de Kyuss. Con un fan de Belle and Sebastian te darán ganas de partirle la espalda a lo Neymar. Ese chasquido producirá el mismo placer que el chasquido que oigo en mi estéreo cuando "Wretch" es acariciado por la aguja. Stoner, Metal, Psicodelia... Mil adjetivos para intentar definir a una de las bandas más grandes e importantes de los 90's. La banda se formó en 1987,  bajo el nombre de Katzenjammer ("resaca" en jerga alemana) antes de decidirse por el nombre Sons Of Kyuss. Brant Bjork eligió el nombre de un monstruo de la primera edición del libro"Fiend Folio" perteneciente al juego de rol Dragones y Mazmorras. En 1989 la banda grabó su EP debut, el cual fue la única grabación que contó con la participación de Chris Cockrell en  el bajo. Luego de lanzar el brutal EP en 1990, el grupo reclutó a Nick Oliveri quien antes había tocado la segunda guitarra en Katzenjammer para reemplazar a Cockrell en el bajo. Decidieron afortunadamente acortar su nombre a Kyuss. La leyenda empieza...

Chasquido y empieza "Beginning of what's about to happen-HWY 74" Un serpenteante riff de guitarra de Josh gobierna un corte brutal con una banda en caida libre. Todo ya esta aquí los cambios de ritmo, los bajos humeantes, las baterías panzerianas y por encima de todo la voz de John. Josh jamas lograra cantar como John. Ni con Lanegan cubriéndole las espaldas logra acercarse al magnetismo de Garcia. "Love Has Passed Me By" es un jodido caza sobrevolando tu jardín. Logra erizarte el vello de tu cuerpo cada segundo, con cada nota. Imaginar a los Misfits tocando con resaca en medio del desierto de Mojave en pleno viaje de ácido. Y ni así te acercas... "Son Of A Bitch" son seis minutos de lujuria hecha música, de una banda tocada por la varita de Dios. Un riff que deja en bragas al 90% de los riffs de Black Sabbath que ya es mucho decir... Garcia te lleva al limite de la demencia con su voz. Siento ser pesado pero es uno de mis cantantes preferidos. Tiene algo que pocos tienen. "Black Widow" es más ligera, con una maraña de guitarras que te ponen los timpanos al limite. "Katzenjammer" es un tema punk, casi hardcore un divertimento que demuestra que hasta los genios brillan contando chistes. Con "Deadly Kiss" te sumergen en un estado mental solo comparable al de andar por el desierto desnudo con el peyote como única compañía. "The Law" es el tema más extenso del álbum y uno de los más brillantes con un groove brutal por parte de todos. Cuando John entra en escena... Chasquido. "Isolation" honra a la palabra y de mejor manera que los sobrevalorados Joy Division. Una demostración más de que muerto sirves más que vivo. "I'm Not" es muy retro y futurista a la vez. La más cercana al cafre metal. Prescindible. "Big Bikes" si que tiene personalidad. Especial. Cierran el álbum con "Stage III" con crujidos retumbando en tus timpanos y tus nervios al borde del colapso. Marcial y poderosa como pocas. Bonito final. No es su mejor disco, ni el peor. Pero merece salir aquí por lo que vino despues. Pura Vida.

80/100

Entrevista a Gary Louris (The Jayhawks)

Entrevista a Gary Louris (The Jayhawks)

Quizás os sorprenda ver en este blog a Gary. Os preguntareis que tienen de indies The Jayhawks. Pues la verdad es que mucho. Más que por ejemplo, Smashing Pumpkins o Radiohead. Sus primeros discos fueron editados en sellos independientes, eran de Minneapolis cuna de varios de las bandas indies más importantes. Ellos vivieron esa época dorada en primera persona. Además de todo esto siempre es un placer hablar con un músico interesante y Gary lo es. En breve estarán girando por nuestro país. En una gira que conmemora la redición de tres de sus discos más brillantes para muchos, entre los que me incluyo. Una trilogía compuesta por el arriesgado "Smile", el sublime "Rainy Day Music" y el majestuoso "Sound Of Lies". Con una sinceridad brutal Gary responde a nuestras preguntas. No se corta en afirmar que el disco de reunión de la formación mítica de la banda fue poco inspirado. Eso le honra. No podéis perderos los conciertos de The Jayhawks.

Hola Gary. Cuentame cual fue tu primer recuerdo musical.
"Recuerdo ir a la tienda de discos y comprar el "Tommy" de The Who, tumbarme en el comedor de casa y escucharlo una y otra vez en el equipo estéreo familiar mientras mi madre descansaba en la otra habitación. Tenia catorce años".
¿Cuando y como decidiste que serias músico?.
"A la misma vez... Con catorce años. Todo eso resultaba fácil para mi. Más fácil que cualquier otra cosa que intentara, más fácil que para casi todos los demás chicos. Parecía que tenia buen oído musical... Pero era muy tímido, increíblemente tímido. Conscientemente no disfrute de estar en una banda ¡¡hasta los 26 años!!. No es el típico camino para arrasar en el mundo del rock. Fui arquitecto durante nueve años, uno mediocre, eventualmente siempre encontraba alguien con quien tocar. Por este motivo soy el claro ejemplo de que nunca es tarde".
¿Como era Minneapolis cuando empezaste con The Jayhawks?.
"En 1985 la ciudad tenia todos los ingredientes fundamentales para crear una gran escena musical... Clubs cools como The UPtown Bar, Seventh Street Entry/First Avenue o el hippy West Bank. También había interesantes radios locales y fantásticas tiendas de discos como el legendario Oar Folkjokeupus. Había esa locura de diferentes mezclas de bandas indies como The Replacements, Hüsker Dü o Soul Asylum, el funk experimental de Prince o The Time y todo el blues hippie y folk que salía de la universidad de West Bank. Todo el mundo estaba en una banda esos días y nosotros parecíamos ser el puente , el escalón entre todos esos géneros".
¿Que músicos te inspiraron?.
"Mis primeros héroes de la guitarra eran jimmy Page, Pete Townshed, Clarence White, John Cippolina, Cliff Gallup, Otis Rush, Michael Bloomfield y a veces Neil Young".
¿Como fueron los inicios de The Jayhawks?.
"Minneapolis era todavía una pequeña gran ciudad. Todo el mundo en la escena se conocía. Mark Olson hizo una prueba para bajista para mi banda anterior Safety Last un año antes. Más tarde fui a una cafetería con el, sobre febrero de 1985, y me dijo que su nueva banda tocaba esa noche en el Uptown Bar. Fui a verlos pero cuando llegue ya habían acabado y estaban empaquetando. Le pregunte si conocía un buen guitarrista. Cuando los otros marcharon me dijo que él".
En mi blog hablo sobre los primeros días de la música indie. En mi opinión empezó con las  bandas punk y hardcore. Bandas como Minor Threat, Black Flag, Replacements o Hüsker Dü. ¿Que opinas de eso?.
"Has nombrado a algunas de mis bandas favoritas de todos los tiempos. The Jayhawks fuimos asociados con la escena Anarquista de Minneapolis y en los primeros días de vida de la banda tocábamos con muchas bandas en centros comunitarios y en una de esas veces compartimos escenario con Minor Threat. Los Hüskers y Replacements siguen siendo a día de hoy dos de mis bandas preferidas. ¿Has leído "Our Band Could Be Your Life"? de Michael Azerrad?".
¡Por supuesto!.
"Habla con toda seguridad de la mejor música de todos los tiempos. Mucho mejor que la aburrida música de raíces o la americana. Mis recuerdos como aficionado a la música eran de cuando la música indie era realmente música indie y de cuando la música alternativa era realmente una alternativa real al Mainstream. Dinosaur Jr, Galaxie 500, Mission Of Burma, Butthole Surfers, Fugazi, Uncle Tupelo... Los ochenta fueron muy cool, sobretodo en America".
Mucha gente los desconoce pero vuestros dos primeros discos, eran brillantes especialmente "Blue Earth". ¿Que recuerdas de aquellos dos discos?.
"Lo recuerdo como algo inusual. Tuve un accidente de coche y decidí dejar la banda. La banda no quiso seguir sin mi. Habiamos grabado algunas demos para varios sellos grandes sin exito. Twin Tone Records decidió recopilar y remezclar algunas de esas demos. Regrabar algunas voces y partes de guitarra. Con otro guitarrista. Todo muy extraño. Un proceso confuso pero que funciono. No recomiendo a nadie grabar un disco así".
En 1991 aparece George Drakoulias en la vida de la banda y todo cambia. ¿Que Paso?.
"Él escucho nuestro disco "Blue Earth"de fondo mientras esperaba a un amigo suyo en Twin Tone. Esperaba a Dave Ayers. Vino a Minneapolis a ver a la banda en directo y nos ofreció un contrato. Amo a George Drakoulias. Sin él hubíeramos caído en la oscuridad más absoluta. Más de lo que estamos ahora. Quizás ahora estaría en alguna imprenta cambiando cartuchos de impresoras o en alguna firma de arquitectos".
Con la ayuda de George llega vuestra explosión creativa con vuestro fantástico disco "Hollywood Town Hall". ¿Como se compuso y se grabo ese disco?.
"La composición de ese disco fue un proceso muy Lennon/McCartney... Tanto Olson como yo componíamos por separado y luego nos mostrábamos lo escrito el uno al otro. Algunas quedaban como estaban, otras acababan siendo un poco pequeños Frankensteins. Con trozos de uno y otro, con partes de aqui y de alla... Decidimos como ellos poner nuestros nombres en todas las composiciónes".

Leí en algún lugar que vuestro siguiente disco fue muy muy caro de grabar. ¿Es eso verdad?. ¿Que sucedió realmente?.
"Nuestro productor era también nuestro A&R. Él controlo la grabación. Def American no era generosa dando dinero a las bandas para vivir pero a la hora de grabar un disco no tenia limite. Estábamos grabando en L.A pero no teníamos claro si estábamos grabándolo de la manera más inteligente. Era muy desagradable para Kenny, nuestro batería. El resto lo llevábamos más fácil. Eramos una banda del midwest norteamericano en L.A. Nos llevo cuatro meses. Cuatro meses íntegros en el estudio. Eso en Los Angeles es muy, muy caro. George quería que fuera un gran disco. Nos rescato del tedioso indie del Midwest y esa lucha fue larga y cara. Un día George fumandose un cigarrillo nos dijo:"Jamas os recuperareis". Y no lo hicimos. Debo decir que amo a George de verdad y que sin él no habría Jayhawks".
Otro gran disco,¿Pero fue el principio del fin?
(Se lo Piensa)" ¡¡No!!. Fue el principio de la época más excitante para la banda de lejos en toda nuestra carrera profesional. Teníamos un sello detrás nuestro. Teníamos una resplandeciente agencia de publicidad apoyandonos. Nuestro primer single "Waiting for the Sun" sonaba tres veces al día en la Mtv, cuando la Mtv era un canal de música no lo que es ahora. La vida era maravillosa. Fue después de "Tomorrow The Green Grass" cuando todo empezó a ir mal".
Cuando Olson dejo la banda...¿Como te sentiste?
"Asustado, exiliado, liberado, abandonado, traicionado, aliviado...elige".
¿Fue fácil para ti crear solo "Sound Of Lies"?
"Parte del problema con Olson y conmigo era que que cada uno tenia montones de canciones que no se atrevía a enseñar al otro. Por miedo al rechazo o porque era muy personal, en mi caso al menos. No necesite enfrentar mis canciones a otro compositor. Fue fácil musicalmente pero duro personalmente. Escuchándolo ahora estábamos atrapados en una antena de inspiración que intentabas sintonizar una y otra vez".
Cuando "Smile" salio a la calle no fue bien recibido por muchos fans y critica. No le gustaba a la gente los loops, los sintetizadores y las baterías programadas... ¿Como te sienta eso?.
"Para ser honestamente contigo debo decirte que no me importa nada lo que la otra gente piense. Mucha gente dice eso pero en mi caso es verdad. No me preocupaba de la gente cuando componía o grababa. Fue muy artístico. El músico debe guiar a la gente por el desierto, la gente, alguna no esta preparada para ese paisaje. ¿Si me gustan todos los loops del disco? No no todos. Pero no por la reacción de la gente... Creo que 2/3 del disco es muy bueno y un 1/3 es una mierda. Tu ganas algo tu pierdes algo también".
"Rainy Day Music" es mi disco favorito de rock de la década pasada. ¿Que puedes contarme sobre él?.
"Una reacción natural al gran pop esplendoroso de "Smile" y al artístico pero oscuro "Sound Of Lies". Después de grabar el material más extraño de nuestra carrera nos apetecía volver a coger una guitarra acústica de nuevo. Escribir las canciones todos juntos alrededor de la mesa de la cocina. De nuevo 2/3 brillantes. Probablemente nuestro disco más honesto. Grabado casi en vivo con el fabuloso productor Ethan Johns. En 2009 estaba en Bath, Inglaterra y hable por teléfono con Ethan y me dijo estoy escuchando "Rainy Day Music" y sabes que? Creo que podríamos haberlo hecho mejor. Casi me caigo de la silla pues yo esperaba que me dijera que era un disco perfecto y fantástico... Pero se lo agradezco".
Más tarde giraste con Olson de nuevo. Juntos los dos. ¿Como lo recuerdas?
"No lo recuerdo. ¡Estoy seguro de que estuve borracho y colocado todo el tiempo!. No es manera de vivir...".
En 2011 reunión de la banda original. Los fans contentos de nuevo. ¿Como fue aquello?
"Con aquella formación el mojo no volvió a funcionar. Alguna gente no quería estar ahí. Un experimento fallido realmente. Aprendí mucho de aquella experiencia. Mucho sobre mi y sobre la gente en general. Ojala pudiera borrar  de mi memoria aquéllos días. Borrar del 2010-2012".
¿El futuro es...?
Disfrutar de "Sound Of Lies", "Smile" y "Rainy Day Music"del line up del 1996 al 2001. Promocionar las rediciones de esos tres discos. Somos Kraig Johnson, Marc Perlman, Tim O'reagan, Karen Grotberg y yo. Nos concentraremos en esos tres discos. Quizás suena alguna de las viejas anteriores a esas pero el núcleo son esos tres discos".

Pd: Gracias a Alicia Rodriguez por ayudarme a conseguir la entrevista.

Lissie Interview

                 
                                                    Talking with Lissie Again!

     
*THE LAST TIME WE TALKED YOU WAS WORKING ON "BACK TO FOREVER". HOW WAS THE RECORDING AND THE WRITING PROCESS OF THAT RECORD?

Hi and thank you Marcos!

I had a lot of fun recording "back to forever"! We recorded in Topanga canyon , California and it was very hot! It was a balance of bringing the band into the studio process as well as working with our producer Jacknife lee's vision and my former record label Columbia UK,, so at times it felt fragmented but all in all it was a very fun process and I'm proud of the songs! 

*TELL US WHAT'S THE STORY BEHIND THE TITTLE?

At the stage in my life I was writing and recording "back to forever" I felt like I was in the middle of my past and  my future. As one gets older ,, you no longer have "forever" so this work was reflecting on that idea & coming to terms with it and the longing to go back & once again have forever ahead of you. 

*WHAT'S FOR YOU THE BIGGER DIFFERENCE BETWEEN THAT RECORD AND "CATCHING THE TIGER"?

I think that the producers I've worked with have brought a lot of their personalities to the albums. Personally, "Catching a tiger" was a bit more gentle whereas "back to forever" is a bit harder. That just reflected  my headspace while writing and battling different kinds of emotions. I think in moving forward we ( the band and i) aim to capture what we do well live and keep things raw and minimally produced. 

*YOUR MUSIC NOW SEEMS MORE FRESH. IS FOR THE EXPERIENCE THAT YOU AND THE BAND HAVE NOW? FOR THE PRODUCER?

Thank you! I think its always evolving! The band has really shaped my sound & style in the past 5 years, my voice has strengthened and lyrically I've gotten better at saying what I want to say. 

*"SHAMELESS" IS ONE OF YOUR MOST ROCKING SONG. HOW WAS WRITTEN? 

I was frustrated with the notion of celebrity and art meeting and what that meant for me and my goals. As much as I love to make music , I am disheartened by the politics and shallowness of the industry. That was just one day and one mood though. Most days I don't worry or think about it! :) 

*FOR THE OTHER SIDE "SLEEPWALKING" IS THE MOST POP SONG YOU NEVER SING. GREAT TUNE. WHO INSPIRE YOU?

Is it a pop song?? :) I did sleep walk one night in London when I was jet legged and I was telling martin craft, my co writer on the song about it and it inspired the title "sleepwalking". I reference the feeling in a romantic breakup of how different people cope with grief. Some people wander around like zombies, numb and unsure of what to do with themselves while others party the pain away, distract themselves! 

*THE LAST TIME WE TALK WE MAKE JOKES ABOUT YOUR NEXT COVER… DANZING!!!  AND JUDAS PRIEST…YOU WINS ME AGAIN. WHY DO YOU CHOOSE THAT SONGS?

I was asked to cover "mother" by Danzig for a video game trailer. The Judas Priest song "electric eye" I chose because lyrically they were ahead of their time. It talks about satellites taking away our privacy,, this was in the 80's ,, now with drones and social media / the Internet it seems really fitting for the times we live in!  It also just rocks hard and I have an awesome band so why not?! :) 

*NEXT JULY YOU WILL PLAY IN SPAIN FOR THE FIRST TIME. WHAT WE CAN SEE IN THAT SHOWS?

Yes! I'm so excited to visit Spain for the first time! 

I will be doing these small shows as a duo just with my bass player so they'll be unique and stripped down! Hopefully we win se new fans and return with the full band soon! 

*WHAT'S THE LOVE STORY OF NORWAY AND YOU?

We were really well received in Norway early on in our career and the show offers just keep coming! We've had a lot of support from radio and TV, big festival spots and sold out shows all around the country of Norway! It's a beautiful place and the people there have been amazing to us! 

*ARE YOU WORKING ON NEW SONGS? CAN YOU WRITE ON THE ROAD?

Yes,, I've been writing a lot! Both by myself and with the band.  We are taking it easy in just trying to be creative right now. I may write with a few different writers this summer/ fall & hope to record new music soon! When I'm on the road, ill write songs if ideas come to me on their own. Otherwise I just focus on live shows.

Metz "Metz" (2012)

                                                                       Metz "Metz"

Tras hablar de Melvins y de Nirvana esta semana quiero cerrarla hablando de futuro. De una banda actual, una banda la cual influenciada por las bandas que fueron influenciadas por las bandas que crearon esto del indie/Punk/Hardcore. Una banda que conoci gracias a mi exhaustivo seguimiento al sello Sub Pop y a su vez a la recomendacion de mi buen amigo Bruce Pavitt. Podriais decirme que estoy haciendo trampas, que dije que en el blog solo hablariamos de bandas del pasado y hasta el fin del verdadero indie, en 1991. Pero como aqui mando yo, hablare de Metz y al que le moleste ya puede joderse. Aparte de amar cada segundo de su disco de debut, verlos en directo fue como viajar en el tiempo a los shows de bandas como Black Flag o D.O.A. Ya sea en una sala pequeña o en un festival Metz son una experiencia vital.

Los canadienses Metz vienen avalados por gente como Bruce Pavitt, como comente antes. Por suerte para nosotros el trió de Toronto esta más cerca de bandas como Shellac o Fugazi que de gente como Arcade Fire. No hay arreglos orquestales bonitos ni instrumentos folkies… Ni son veinte tipos en el escenario. Es un power trio brutal. Post grunge hardcore. Temas endiablados a una velocidad supersónica. Una de las grandes sorpresas del año de su publicacion. Un disco que te acelera las pulsaciones, te encoge el corazon y estimula tus dormidas neuronas cerebrales. No van a cambiar el mundo pero se agradece un grupo así, que extrae de sus instrumentos todo el ruido posible. Temas como "Sad Pricks" demuestran que tienen mucho que decir, bueno que gritarte. Grabado en una granja en medio del bosque ya refleja el espíritu antisocial del trio. Esto es terrorismo sonoro, es como sentarse en la cornisa de un rascacielos y contemplar la ciudad entera en llamas. En cuanto canciones como "Headache" o la speedica "Rats" llegan a tus oídos la experiencia de escuchar música pasa a un segundo plano… Toda la mierda interior que llevas dentro va aflorando, supurando. Te dan ganas de poguear, de destrozar el mobiliario de casa o en el caso de estar en la cornisa del rascacielos el cual comentabamos antes, lanzarte al vacío. Metz son una experiencia única en el panorama actual. Cercanos a Big Black o a Helmet pero en versión cruda. Chris Slorach, Alex Edkins y Hayden Menzies llevan tiempo haciéndose un nombre como una de las bandas más brutales que sacuden Toronto. Y a partir de ahora el mundo. ¿Como puedes quedarte sentado en el sofa tras el bofetón emocional que te plantea "Wet Blanket"?. Si cierras los ojos y te concentras serás capaz de oler el sudor de la banda cuando grabo este disco en la cabaña. Seras capaz de sentir los golpes de bombo y caja en tu sien. Y recibirás los salivazos del cantante cuando berrea como un poseso. Es un disco corto pero debe ser así de lo contrario tu salud mental corre serio peligro. "The Mule" recuerda a los primeros Sonic Youth, a los Sonic Youth que amasaban el ruido para convertirlo en algo bello. Una de las mejores canciones del disco. No todo el mundo esta preparado para Metz. Ni Metz están preocupados en eso. Ellos solo quieren que tu consciencia se revuelva hasta que el insomnio te vuelva un ser mejor. Tan ruidoso, brutal y nihilista que es hermoso y gratificante a la vez.

92/100

Nirvana "Bleach" (1989)

                                                                  Nirvana "Bleach"

Quien me conoce un mínimo sabe de mi amor incondicional hacia Nirvana. Una banda que irrumpió en mi vida como un cohete para cambiarla para siempre. Instalado en unos gustos musicales diversos y acomodados. Todo cabía en mi paladar musical, desde los clásicos heredados de papa y mama como Beatles, Stones o Zeppelin a los grupos que me hacían sentirme rebelde a estos como Public Enemy o Boogie Down Productions. The Cure y Echo And The Bunnymen compartian estantes con Prince,  Terence Trent D'Arby o Inxs. El primer Shock llega con Guns And Roses, Faith No More o Jane's Addiction pero el definitivo es el de Nirvana. Así que no es casual que el espíritu de Cobain revolotee este blog. Amo todos los discos de la banda pero si solo pudiera quedarme con uno "Bleach" seria el escogido. Lo primero que oímos en el debut de Nirvana es una linea de bajo llena de distorsión, antes de entrar la guitarra nos golpea un acople y luego la voz de Kurt en plan mantra budista, veinte segundos de Bleach y ya nos han definido lo que vamos a encontrar. "Blew" es una gran canción. Un bajo saltarín acompañado por una batería sincopada que suena tremendamente real e imaginativa. La melodía y la letra son marca de la casa. Con "Floyd The Barber" no hay sutileza. Es papel de lija. Cobain escupe rabia en cada estrofa, bilis en cada palabra. Para seducirnos más tarde en el coro. Brusca y melódica a la vez que seduce desde el principio y acaba deconstruyendose, marchitandose. "About a Girl" es un tema 100% pop, pop destartalado, si, pero pop a fin de cuentas. Una melodía asombrosa y una apuesta en escena que te roba el corazón. La ambigüedad de la letra sigue a día de hoy envuelta en misterio, tan simple como hermosa. Cuando Cobain se declaraba fan de The Beatles no lo hacia en balde, este es uno de los ejemplos más claros de ese incondicional amor. Tras la calma llega la tempestad "School" ahuyenta fantasmas del pasado a golpes, a latigazos. Kurt logra una gran interpretación vocal en un tema muy en la onda Tad. Todo el disco es tan primitivo e inocente que te encandila sin pretenderlo. "Love Buzz" es una versión de Shocking Blue que Nirvana convierten en propio, con una linea de bajo sublime. Krist no es un gran bajista, la verdad. Pero aporta siempre lo necesario. Me encanta la sencillez y el tempo que Chad Channing da con su batería a las canciones. Para mi siempre sonó mejor así Nirvana que con la contundencia visceral de Grohl. Incluso las maquetas de "Nevermind" con Channing tienen un aire diferente a las canciones posteriormente publicadas. Hay más oxigeno...

"Paper Cuts" es tan minimalista que te pone el cerebro del revés, una de mis favoritas. El trallazo punk que siempre incluirían en cada disco. Aquí es la atómica. "Negative Creep", Kurt se deja el alma y la banda lo sigue como puede con el vocalista al borde del colapso emocional en otra de las grandes canciones de la discográfica de Nirvana. "Scoff" es un redundante corte tan simple que los gritos de Cobain suenan marciales y angustiosamente reales, siguen tocados por una varita. "Swap Meet" tiene otro de esos riffs duros, contundente y con una base rítmica robusta, ideal para dotar al tema de la fuerza que la letra de Kurt necesita. "Mr. Moustache" es lo más metal que jamas grabaría Nirvana hasta que Kurt canta y se transforma mágicamente en un tema 100% Nirvana a pesar de eso es la más floja del disco. Si es que hay algo flojo... 

"Siffting" es más de lo mismo pero es tan amateur e infantil que no puedes evitar enamorarte de ella. "Big Cheese" es una de mis cinco canciones favoritas de Nirvana imposible de quitartela de la cabeza. De ahi que mi banda de la adolescencia se llamara Big Cheese Sick. "Downer" es otro tiro en la sien del trió con un sonido realmente esquizofrénico. "Bleach" es el disco más homogéneo en la corta discográfia del grupo de Seattle. Un disco sin fisuras. Sin guiños al publico mainstream, el menos pensado y el más autentico quizás.

Aunque pueda sonar pedante "Bleach" me parece un disco excelente, hay épocas en lo que es el único disco de Nirvana que escucho. Sigo teniendo problemas con el sonido limpio y depurado de "Nevermind". Las mezclas de Devorshire me suenan mejor a pesar de sonar sucias y bastardas. La producción de Butch limpio tanto el sonido del grupo que casi despojo de su identidad al trio. Conocidos por todos que Cobain saco el disco a la venta sin gustarle del todo el sonido final de la mezcla. Por eso en "In Utero" buscaría recuperar el sonido sucio y primitivo de "Bleach" con Steve Albini tras disputas con Geffen se llamo a Scott Lift para que limara asperezas en los temas que saldrían como singles logrando "ensuciar" el sonido del álbum. No busquéis coherencia en la votación. Imposible.

100/100