BRAD "INTERIORS" (1997)

                                                                Brad "Interiors" (1997)

24 de Junio de 1997 fue el día que salió a la venta el segundo trabajo de Brad. La banda formada por   Stone Gossard, Regan Hagar, Shawn Smith y Jeremy Toback lo grabo en los estudios Litho, propiedad del guitarrista de Pearl Jam, durante dos meses. Producido Nick DiDia y remezclado por DiDia y Brendan O'Brien.  Incomprensiblemente tuvo muy malas ventas en comparación con su debut "Shame", en mi opinión es un disco mucho más redondo y mucho más pulido. Un disco con canciones más redondas y donde cada una de ellas podría funcionar como single. En "The Day Brings" Mike McReady pone su incendiaria guitarra a la disposición de Brad. La voz de Shawn Smith tiene mil matices, es profunda y dulce a la vez. Stone es un guitarrista elegante y la base rítmica es precisa, envolvente y sofisticada. 

El disco se abre con "Secret Girl" con una melodía adictiva, con un toque Beatle y unas guitarras desbocadas. Una canción que se te agarra al cerebro y es que la voz de Shawn brilla muy alto con la banda trotando sobre una melodía potente y muy pegadiza. En "The Day Brings" Mike aporta garra, pero Stone sabe responderle. Este tema es un medio tiempo con Shawn de nuevo demostrando su brillante labor vocal. Tiene aires a Mother Love Bone y eso son palabras mayores. Es un soul rock con una melodía flotante. El solo de Mike es brillante. "Lift" es un corte rotundo, con la banda imprimiendo fuerza, empujando cuesta arriba una melodía enrevesada con un ritmo cortante. Tanto Regan como Jeremy dan lo mejor de si mismos. Stone se siente libre y alcanza cotas de brillantez propia de los grandes. Pero por encima de todos vuelve a estar Shawn uno de los mejores vocalistas del ¿Grunge?. El solo de piano es puro jazz y le da un toque majestuoso. El cuarto tema del disco es "I Don't Know"  un principio titubeante, fantasmagórico para una canción brillante que se dispara a la estratosfera cuando la voz en falsete de Shawn aparece, se redobla el ritmo, y la voz de Shawn en dos tonos diferentes se vuelve mágica. Stone exprime su guitarra y el resto vuelan en uno de los mejores cortes del álbum. Los amigos perdidos es el leif motiv de la letra. Con un creciendo épico y dramático como pocos, lastima del fade out. Un órgano triste, lánguido unido a un lamento hecho voz de Shawn inician "Upon My Shoulders" otro gran corte con la banda dejando llevar por la inspiración. Elegancia pura, cadencias tétricas y unos arreglos de cuerda que te ponen al borde de la lagrima. El solo de celo es lúgubre pero hermoso. Y vuelven los Brad rockeros en "Sweet Al George sacan las uñas, rugen y demuestran que también pueden editar cortes afilados y con una tremenda melodía. En "Funeral Friend" vuelven los aires dramáticos y sentidos y ahí vuelve a brillar Shawn. Stone vuelve a hacer diabluras, riffs, punteos, Wah wahs imposibles y solos de otro mundo. Uno de los guitarras más infravalorados del rock de los 90's sin duda. Y nos sorprenden con un corte acústico como "Circule & Line" con pianos y percusiones palpitantes y la melodía serpenteante y la voz de Shawn dejándonos sin habla de nuevo otro corte sublime, mayúsculo. Stone le imprime fuerza cuando la canción lo requiere... El piano lleva la voz cantante en "Some Never Come Home"  y Shawn se sube a su lomo para volar sobre una melodía bella, triste pero bella. "Candles" vuelve a sonar soleado, y Shawn vuelve a demostrar su versatilidad vocal y va tensando la tensión melódica del corte a medida que va avanzando. Genial y breve. Cierran el disco con "Those Three Words" con un Shawn desatado y la banda experimentando, en una jam cósmica, en un blues retorcido. Es una lastima que Brad no tenga más poder mediático, pues lo merecen con creces. Todos sus trabajos son notables, y merecerían una legión de fans. Ojalá desde aquí podamos ayudarles.

90/100

MY BLOODY VALENTINE "LOVELESS"

                                                  My Bloody Valentine "Loveless" (1991)

El dolor nos mantiene vivos. He llegado a creer que la felicidad es la ausencia de dolor. No tanto el dolor físico como el espiritual, el fisico es soportable aparte  de que hay maneras de mitigarlo o anularlo, me refiero al dolor de verdad, al dolor que provocan los sentimientos y enfrentarse al mundo. Hay cientos de dolores diferentes, dolores mentales, claro, miles de formas de sentirlo, padecerlo incluso los hay que lo gozan, pero el dolor más grande que podemos sufrir es el de la ausencia de amor. Se pueden soportar muchos dolores pero ese sentimiento de ausencia de amor, es la mayor de las torturas. No solo el amor romántico, que también, sino el amor en general. Vivir sin amor, o con esa sensación es tormentoso, desquiciaste y devastador. Hay imágenes del dolor, emociones dolorosas etc... ¿pero tiene sonido?. Siempre me he preguntado como suena el dolor, que música nos muestra el dolor de la mejor manera. Hay discos, artistas incluso bandas de música que basan su sonido y su carrera musical en el dolor. Pero ninguna llego nunca tan lejos como My Bloody Valentine. Los irlandeses con "Loveless" dieron al fin con la tecla, con el sonido del mayor dolor que puede padecer el ser humano. El dolor por la ausencia de amor.

"Loveless" es el segundo álbum de estudio de la banda irlandesa. Salió a la venta el 4 de noviembre de 1991, después de un largo y costoso proceso de grabación que abarcó entre 1989 y 1991 y que tuvo lugar en diecinueve estudios de grabación distintos. El vocalista, líder y guitarrista Kevin Shields se hizo cargo del proceso: buscaba un sonido en particular para el álbum, para lo que utilizó varias técnicas como guitarras rasgadas con el brazo de trémolo, loops de batería sampleados y voces oscuras (escondidas y sepultadas por la música y poco perceptibles). Se contrataron y despidieron un gran número de ingenieros de sonido (unos 15 ) durante el proceso. La grabación de "Loveless" costó alrededor de 250.000 libras, una cifra que casi lleva a su sello discográfico, Creation Records, a la ruina. Hay que tener en cuenta el año y que era un sello independiente.

El proceso en si fue una tortura para el sello, para la banda y para todo aquel que tenia la desgracia de tropezarse con ellos, para ejemplo un botón. En el otoño de 1991, con las pistas vocales completas, se procedió a hacer una mezcla final del álbum con el ingeniero Dick Meany en los estudios Church de Crouch End, fue el decimonoveno estudio que se utilizó para la grabación. Se procedió a editar el álbum en una máquina vieja que antes se había utilizado para ensamblar diálogos de películas en los años 1970. La computadora desincronizó todo el álbum. Shields fue capaz de reconstruirlo de memoria, aunque cuando llegó el momento de masterizarlo, para consternación del sello Creation Records, necesitó trece días en lugar de uno.

Pero dejémonos de anécdotas y adentrémonos en el dolor. El jodido dolor. Ese que hace que te cueste respirar, el que te coge la sien y no la suelta, el que hace que tu vida se enrede en el desagüe y desaparezca sin remedio. Ese sonido, esas canciones que nos muestran el único dolor que atormenta a todo ser humano, la ausencia de amor. Sentirse solo en el mundo, rodeado de gente que busca solo su beneficio y que no duda en aprovecharse de ti, de tu confianza y de tu fe en la amistad. Este disco refleja el crujido de un corazón roto, nos muestra como suena una alma que se parte en mil pedazos. Es la banda sonora a noches en silencio a oscuras en tu cama, solo o junto a alguien buscando un sentido a la vida, y en como sobrellevar esa ausencia de amor. Hay que ser muy valiente para no volarse los sesos mientras "Loveless" atruena en tu cabeza y ves lo miserable que es tu vida. Gracias Mr Shields por es puto regalo...

"Only Swallow" duele, así de inicio es como un aperitivo de lo que esta por llegar. Tus oídos no pueden asimilar tanto ruido, tanto sufrimiento te va alterando el pulso, te agarra de las muñecas y la tristeza se va adhiriendo a tu piel. Mientras la dulce voz y la melodía de Belinda te mantiene en filo. Miras a esa persona que creías conocer y notas que te mira con desprecio mientras sonríe a otro con coquetería, y tragas saliva. Y en tu mente la violencia de las guitarras de Kevin van llenando tu corazón de odio y bilis. "Loomer" es más dolor, aguijonazos al orgullo, sentirse pisoteado y seguir suplicando cariño. Que te muelan a palos y mientras yaces sangrando en el suelo miras con pena como tu agresor se marcha y te invade la tristeza pues ya no vas a volver a verlo, no sentirás nunca más el calor de sus abrazos. Es veloz, una canción rápida para ser de Kevin pero las peleas son así, rápidas y sucias. El minuto de "Touched" es un atisbo de esperanza en una relación rota, cuando por un instante piensas en cuando os jurabais amor eterno y nada creas podría separaros. Una chispa de tiempo en la eternidad del dolor. Y no hay dolor más gordo que "To here knows When". Confusión, todo te da vueltas, no entiendes nada y cuanto más piensas en algo y en sus soluciones más lejos estas de la salida del laberinto emocional en el que te has metido. La canción es un bucle dolorosamente bello, deseas que acabe pero tampoco puedes evitar suspirar cuando eso sucede. "When You Sleep" es la banda sonora de ese pobre diablo enamorado de un sueño irreal, de algo inalcanzable que seguramente solo existe en su maltrecha cabeza. Pero hay esperanza, siempre puedes tropezar con ese ser que hace tus días mejores... "I Only Said" es un grito desgarrador en una calurosa noche de junio, un dolor agudo que te retuerce en tu cama, miras esas paredes y descubres que la vida fuera de ese búnker es posible, pero que duele. Y tu corazón no resiste más indiferencia. El estribillo, es unos sonidos de guitarra que te dan luz en el abismo, una antorcha en esa cueva de la que debes salir para descubrir que no todo en la vida duele como la ausencia de amor. Perder a alguien que quieres sea un familiar , un amigo o una pareja duele más si es voluntariamente, no por fallecimiento. Que alguien decida salirse de tu vida duele más que si se muere...

"Come in alone" es un contrapicado tema pop, una gema llena de mierda, un diamante por pulir. Intuyes algo bello, hermoso, te emocionas pero el temor te agarrota. Descubrir que sientes cosas por alguien que jamas sentiste y que te dejan sin tu coraza, sin tu seguridad, sin tu sensación de saberte sin suerte. Tropezar con el amor y que te corresponda es por momentos lo más bello del mundo pero para el que siempre ando con miedo sobre el alambre es una pura venganza del destino. Ahí tienes lo que quieres, ¡mantenlo vivo!. "Sometimes" es un eco, un susurro, como olas del mar retumbando en tus oídos. "Blow a Wish" es otro ejemplo de la mecánica del dolor y de la belleza. Esos silencios mirándote al espejo sin verle sentido a nada. "What you want" vuelve a comerte por las solapas, te lleva al barranco más alto y te susurra que saltes... y dudas un instante. Ese jodido instante es esta canción. Y llegamos a "Soon" y un humilde servidor se queda sin palabras. Van cayendo los segundos, los minutos y al llegar a los 7:01 con el final del disco y de la canción te preguntas cuando volverás a pincharlo, cuando volverás a tener el valor de enfrentarte de nuevo a "Loveless". Me zumban los oídos, durara un par de días.

100/100

PULP "WE LOVE LIFE" 2001

                         

                                                               Pulp "We Love Life"

Quizás sorprenda la aparición de Pulp en este blog, sorprenda por estar ligados a un sello como Universal o por no considerarse indie puro, como el aquí tratado, también por ser un disco posterior a 1991 cuando el indie de verdad murió. Pero quizás hablar de este disco que en unos meses cumplira 15 años sea que es considerado un disco menor en la discografia de la banda y el disco que provoco su despido del sello discográfico en 2002 y dio la puntilla al proyecto. Fue el final de Pulp. Hubo un retorno efímero para una gira, y quien sabe si más adelante volverán algún día al estudio pero quiero hablar de este disco injustamente vilipendiado por critica y publico.

Estamos en 2001 tras el éxito total de "Different Class" el oscuro "This Is Hardcore" gusto más a critica que publico, Jarvis y los suyos en consecuencia a su siempre espíritu indie y rebelde crearon su disco más sincero. "We Love Life".

Se abre con "Weeds" un tema tenso, en eterno bucle in crescendo, con una letra ambigua y la cual acepta todas las versiones e interpretaciones que quieras darle. Épica electrizante, grandilocuencia musical al servicio de un Jarvis comedido y desmesurado. Rompen todos los esquemas del pop para poder decir algo nuevo, sin querer llegaron más lejos que muchos en años. Se enlaza con "Weeds II" y la tensión sigue pero la épica y la monstruosidad instrumental se rebaja. Se puede hacer daño con una daga, más que con una bomba. Aquí no se habla de chicas pijas que viajan a Grecia, aquí se denuncia el origen de las especies y de la manipulación genética, pero hay mucho más encerrado entre lineas. Jarvis es uno de los letristas más lucidos de Inglaterra. Una especie de Oscar Wilde jugando a ser un Rock star. "The Night That Minnie Timperly Died" tiene los guitarrazos acústicos más dolorosos de la historia. Un relato escabroso, demencial Poe estaría con los pelos de punta. Jarvis imprime fuerza, a un texto brillante. Doloroso y demasiado real para no dejarte sobrecogido. Musicalmente adictiva te hace sentir sucio al descubrirte tarareando o moviendo tu pie al ritmo de tal crimen. Lo mas feo y sucio del planeta en manos de Pulp puede resultar bello. El arte de dotar belleza a lo mundano y lo blasfemo.

"The Trees" con sus cuerdas dando vida al corte en cuestión es brillante. El fraseo recitado de Jarvis en este tema ultra ecológico es lucido, ensoñador y perturbador. El estribillo, aquí si es claro, es vivaracho y bobalicon. Y llegamos a "Wickerman" el tema con la letra más larga, con la historia más rica del disco. El libreto del disco es una obra de arte en si mismo dotando a cada canción del arte que más se adecua a ella. No hay nada al azar donde no llegan las palabras o la música llega la imagen. "Wickerman" es una de mis canciones favoritas de Pulp junto a "Bad Cover Version" y "The Birds In Your Garden" y todas son de este disco. Jarvis narra, susurra, canta, gime, grita, hace todo lo necesario para que nos metamos en materia. Basada en el film de autor "The Wicker Man" contiene samples de "Willow's Song" de Paul Giovanni para dicho film. "I love Life" tema que da nombre al disco es la bella historia de la vida narrada para que la entiendan los críos, y los adultos reflexionemos sobre lo sencillo que es vivir e intentar ser feliz sin más complicaciones que respirar. Con una inspirada melodía y unos arreglos minimalistas y precisos resultan ideales para otro corte perfecto.  Cuanta furia desatada y cuantas emociones encerradas en 5 minutos. ¿En que pensaba la critica y el publico hace 15 años?. Y llegamos a "The Birds In Your Garden". Y toca ponerse serios. Otro brillante ejercicio de pop mayusculo. De belleza robada a la naturaleza. Con la melodía más dolorosamente bella de su carrera. Tanta belleza te nubla la vista, te entumece y te hace llorar. ¡Ojala hubiera podido yo crear algo así!. y cuando acaba el primer estribillo estas a punto de derramar lágrimas. El síndrome de Stendhal es una realidad. Pocas canciones logran esto. Pocas cosas en la vida logran romperme por dentro así. ¡Malditos!. "Bob Lind (The Only Way Is Down)" vuelve a Pulp a ese pop elaborado, rico en instrumentaciones y en matices que ahora intentan y consiguen a veces sus más directos herederos Arcade Fire. El guiño a Bowie de la ilustracion de "Bad Cover Version" la hace más especial si cabe. Con una de las letras en las que más me identifico es un corte directo, un claro single radiable pero con la letra más desoladora del universo. Un corte con el humor negro más brillante de los ultimos 20 años. Nadie relato tan claramente lo que es el amor y la vida. "Roadkill" es un desnudo corte, emocionalmente duro y bello. Efimero, un suspiro de la vida como la fotografia que lo acompaña, esas cosas fugaces y tecnicamente irrelevantes que por un segundo te lleva a otro lugar donde por un instante todos tus problemas desaparecen. La lastima es que dura lo que dura y repertirlo una y otra vez le quita todo el sentido y toda su magia. Se cierra el disco con una sonrisa, "Sunrise" son casi 6 minutos con un brillante Richard Hawley echando una mano con su slap Steel guitar. Una tormenta de verano, intensa pero breve. Esas que caen al atardecer y dejan paso a una noche hermosa. Un final apoteosico.

"99/100"

Guided By Voices "Cool Planet" 2014

                                                   Guided By Voices "Cool Planet" 2014

Hoy reinvindicare a un grupo o más bien a un músico que creo que se lo merece. Guided by Voices es una banda de rock destartalado de Dayton, Ohio. Fueron influenciados por todo tipo de música... pop, rock progresivo, post punk, punk rock y sobretodo por las bandas de la British Invansion. Formaron parte de la escena americana de rock alternativo desde 1986 hasta 2004. Cuando se separaron, volvieron una década después con excelentes resultados. Siguen en el anonimato.

A través de los años Guided By Voices sufro muchos cambios entre sus miembros: el único miembro permanente fue Robert Pollard, cantante y compositor principal. El verdadero genio y corazón de Guided By Voices.

"Cool Planet" es un disco extenso como su memorable "Bee Thousand" quizás su mejor trabajo pero en cuestión de canciones pues su minutaje son cortas. Canciones directas, sencillas y sin rodeos.  18 diamantes en bruto que en manos de otros muscos sonarían mejor pero que en las manos de ellos suenan emocionantemente amateur e infantiles. Pero también memorables y enternecedoras. Se inicia con "Authoritarian Zoo" un corte monolítico, machacon deudor de The Who. "Fast Crawl" es un tema lento, melancólico con una melodía escalofriante. "Psychotic Crush" tiene unos coros de otro mundo. "Costume Makes The Man" es un corte acústico, teatral. "Hat Of Flames" es un rock destartalado, de local de ensayo. Tierno e inocente. "These Dooms" es como si Robert estuviera poseído por el espíritu de Neil Young. "Table At Fool's Tooth" es diversión, divertimento puro y simple. Por el contrario "All American Boy" es el corte más profesional del disco más que nada por su minutaje casi 4 minutos cuando la media no llega a 2!. "You Get Every Game" es unos links pasados de acido. "Pan Swimmer" es simple y hermosa. Por su parte "The Bone Church" es maquiavélica.  "Bad Love Is Easy To Do" es un éxito inmediato, puro azúcar. "The No Doubters" es un arrastrado blues rock. "Jarretad By Paul" es un emotivo tema a piano y dos voces. "Cream Of Lung" es un tormento, un llanto desesperado. "Males OF Wormwood Mars" al revés. Es luz, felicidad y alegría. La broma de "Ticket To Hide" funciona y cierran con el tema que titula el disco. Sus discos son así, pasan volando entre sonrisas.

80/100

SONIC YOUTH "EXPERIMENTAL JET SET, TRASH AND NO STAR" 1994

                    SONIC YOUTH "EXPERIMENTAL JET SET, TRASH AND NO STAR" 1994

Podría haber elegido cualquier disco de su larga discografía, seguramente os sorprenda que el primer disco que aparece en el blog de Sonic Youth sea este y no "Dirty", "Goo" o "Daydream Nation" tres piedras fundamentales de la música indie. Quizás seria justo hablar de "Evol", "Sister" o de "Confusión is sex" antes que de este disco, por importancia en su trayectoria y por la influencia en el rock. Pero siempre me muevo por impulsos, intentando sacar la mierda a flote. Tras la explosión de Nirvana y la decadencia del Grunge genero al que vieron nacer y morir Sonic Youth se vieron atrapados en la vorágine del éxito del rock underground. Ellos eran los padres de todos y ahora tenia la oportunidad de sacar rédito de ello. Y entregaron su disco más... ¿Comercial? fea palabra y que quien escuche este disco le parecerá una autentica sandez. Pero "Experimental..." es un disco asequible para la juventud de 1994, una juventud ávida de sonidos nuevos, atractivos y sobretodo ruidosos. Actualmente sigue sonando actual, rompedor y marciano. Pero es el disco comercial de Sonic Youth. Al igual que otros grupos legendarios se suban al carro, véase REM y su "Monster" ellos nos mostraban de donde venia el sonido de Pavement o Nirvana. Un disco repleto de humor negro y de cierto aire reinvicativo, lleno de bilis y de mucha venganza encubierta. Bromas para melamos como la inicial "Winner's Blues" un blues dedicado a un ganador, la mayor frivolidad del mundo. Pervertir la música para crear algo nuevo y fresco. Un blues marciano en manos de la banda menos cercana a la música blues del mundo. Increíble y fresca. Thurston suena fantasmagórico... Tras ella su "único hit single" y es que "Bull In The Heather" fue lo más cerca que estuvieron jamas de un tema así. Erótica, malvada, perversa, divertida, bailongo, guitarrera y genuina. Esta canción es increíble y única en su discografía. Slide guitar, sexo y ritmos desquiciados. "Starfield Road" es más fiel su pasado, pero es un juguete diabólico. Con cientos de sonidos descacharrantes. Con Thurston cantando mejor que nunca sobre un amalgama de guitarras revienta cerebros y Shelley nos regala los mejores ritmos y redobles del disco. La explosión final es de esos cambios que lo vuelven épico. "Skink" es la calma tras la tormenta con Kim al mando. Sonidos ralentizados, tétricos... La de sueños que he tenido con esta canción de fondo. "Streaming Shull" es fuego. Así de simple. Kim  y Thurston vuelven a demostrar que pocas mujeres y hombres están a su altura interpretativa. Homenaje al verdadero indie. El solo es de primero de primaria en la Escuela de Rock. Tan simple como efectivo. "Self-Obsessed And Sexxee" es un medio tiempo ensoñador con Thurston llevando la batuta de la banda por un terreno ponzoñoso. Imaginar a Neil Young de mierda y barro hasta el cuello. "Bone" es un tornado. Con Kim desatada y la banda en el alambre, más cerca del caos que nunca. "Androgynous Mind" es una de mis canciones favoritas de los newyorkinos. Lo tiene todo, sexo, violencia,  muerte, ruido, drama, épica y susurros. La canción perfecta. "Quest For The Cup" es un tema troto con Kim jugando con las palabras, estirando el tempo y retorciendo el ritmo. Ama absoluta de la nave sabe comandarla como pocos. Es como pincharse morfina e intentar llegar al orgasmo mirando una postal de Hiroshima. Perverso y atractivo. "Waist" tiene a Thurston y a Shelley de jefes. Ambos montados en una buena ola, en un pura sangre indomable. "Doctor's Orders" de nuevo Kim susurra, hace el amor con su bajo y nos deja ensoñaciones en forma de trocitos de magia eterna. Brillante tema. "Tokyo Eye" otro momento cumbre del disco. Con la más brillante interpretación de Thurston de todo el disco y casi de su discografía. Tensión, intriga y belleza. La más bella canción de Sonic Youth en décadas. Cuando llega la brutalidad sigue siendo bello. Como si ardiera el Louvre... "In the mind of bourgeois reader" es un divertimento inofensivo en apariencia pero a la que rascas ves las aristas. Cierran el disco con casi 8 minutos de canción una enorme "Sweet Shine" una oda al buen gusto.

95/100

Mother Love Bone "Apple" (1990)

                                                          Mother Love Bone "Apple"

Andrew Wood sea seguramente el mayor talento que salio de Seattle desde Jimi Hendrix. Eso afirma Mark Lanegan y no puedo estar más de acuerdo con el ex cantante de Screaming Trees. La semana pasada cumplir 25 años de la publicación de este disco. Su único disco. El único que vio publicado en vida el bueno de Andy. Solo por la inicial "Bone china" todo delicadeza vale la pena este disco. Pero es que no se reduce solo a eso... ¿Habéis escuchado "Capricorn Sister"? me refiero con calma, saboreando cada nota... Fuerza y ternura, una voz sublime, una estructura compleja pero adictiva, unos músicos estrujándose en cada compás, una autentica maravilla. Combina la fuerza del hard rock, con el punk, con el glam incluso el grunge coetáneo suyo, el autentico. Por desgracia cuando Andy se fue el resto de miembros ya con Eddie Vedder en sus filas jamas y digo JAMAS logro un disco a la altura de este. Aparte de decir que perdieron magia y misterio por el camino. Eran infinitamente más previsibles. "Captain Hi-Top" es otro tiro, un disparo en tu sien. La banda a 100 por hora y Andy revoloteando como una mariposa, la más bella jamas vista por el ser humano. "Come Bite The Apple" es la canción que intentaron copiar en "Ten" Pearl Jam y casi lo consiguen y mira si es grande la de Andy que "Ten" se convirtió para la mayoría en el mejor disco de los de Vedder. No me entendáis mal, me gustan Pearl Jam, mucho. Pero Andy y Mother Love Bone son más grandes que la vida. Y llegamos a "Crown Of Thorns" la magia, la belleza pura hecha canción. Cuando Pearl Jam hicieron 10 años Vedder en homenaje a sus compañeros de banda y sobretodo a Andy canto este tema. Le puso lo mejor de si mismo pero lejos de Andy. Una canción que empieza aletargada, que se va despertando, como te sucede a ti una mañana de domingo. Andy lleva la canción a cotas únicas, su fraseo entre vacilo y sentido es único. La canción a la mitad esta ya en un creciendo estremecedor y cuando Andy en el minuto 3.20 grita desgarrador te hiela la sangre. Guitarras enmarañadas y sangrantes. Bajos sinuosos y libidinosos y una batería siempre concreta, minimalista pero efectiva. los últimos dos minutos valen por la discografía completa de muchas bandas posteriores, véase Creed, Nickelback, Silverchair o Stone Temple Pilots. Andy y su voz se van en un fade out doloroso, como sucedió en la realidad. Triste epitafio. El piano de "Gente Groove" vale su peso en oro, y la clase de Andy esta a la altura de su adorado Ziggy Stardust. Que fuerza y que garra tiene "Heartshine" y Andy le da sentido al trabajo de Stone Gossard feroz en el riff. Otro de los grandes momentos del disco "Holy Roller" también se intento repetir en "Ten" pero otra vez con menor fortuna. Épica, grandilocuente y mayúscula. No puedo evitar el venirme arriba escuchándola. Uno de los estribillos más perfectos que han salido de Seattle en toda su jodida historia. "Lady Godiva Blues" es destartalada, divertida y muestra al Andy más jugueton. Un tema un pelín inferior al resto. Duele escuchar " Man Of Golden Words" por el desenlace que tuvo Andy. Una muestra tan brutal de talento que acongoja escucharla sin llorar. En este momento mientras suena la voz de Andy por primera vez y cuando nombra a... "Temple of the dog" ya ruedan las lágrimas por mis mejillas. No me extraña que Pearl Jam y Soundgarden llamaran a su grupo y disco de homenaje a Andy Temple Of The Dog. Cuando entreviste al hermano de Andy le comente que como fue que no toco él, un guitarra y un compositor fantástico en el disco de homenaje a su hermano y miembro junto a él de Malfunkshun, otro gran secreto... Me comento que nadie, repito nadie le dijo nada. Cuando veo el documental "Twenty" de Pearl Jam y dicen lo contrario me arde la sangre. Me creo a Kevin un tío que se vino abajo y empiezo a llorar en cuanto le nombre que mi canción favorita de Andy era de Malfunkshun y resulto ser la misma que la suya. Esas cosas duelen. También debo reconocer que aunque no respete nada como músico a Chris Cornell un impersonator total cuando habla de andy en ese mismo documental, como persona humana es de 10. "Mr. Danny Boy" es un corte humano, mundano al lado de la enorme "Stardog Champion" ¿Que canción no lo es?. Otra jodida joya, una más y van... Que fuerza, que clase y que voz de Andy. Los músicos que le acompañan no se andan a la zaga. Un torbellino de sensaciones, una montaña rusa de emociones. "Satirizare" es bella, sensible, tan preciosa que te duele que la aguja deambule por sus surcos. Casi 5 minutos de amor, amor a la vida. Los Gossard, Ament, Fairweather y Gilmore entregan en esta canción y en este disco lo mejor casi de sus carreras. Y es que la voz de Andy lo elevaba todo y eso pocos cantantes lo logran. Cierran el disco con otra enorme joya. "This Is Shangrila" brilla, te eleva al cielo y eso es gracias a Andy. Verdadera estrella de Mother Love Bone. Cierto es que sin la explosión de Nirvana en 1991 no hubiera descubierto a Andy. Pero eso no resta el reconocer que en Seattle estaba Andy y luego a mucha distancia gente como Kurt Cobain, Layne Stanley o Mark Lanegan. Que estaba este disco y Mother Love Bone y luego escalones más abajo bandas que adoro como Melvins, Mudhoney o Love Battery. Y aunque el disco de Malfunkshun sea una joya... Este, es el disco con el que Andy debe ser recordado.

"10"

Cronica Vetusta Morla Feria De Valencia

Vetusta Morla Feria De Valencia 16/5/2015

                                                      Texto y fotos Marcos Molinero

Fue mi primera vez. Debo reconocer que llego tarde al fenómeno Vetusta Morla. Y a pesar de que iba con un saco lleno de prejuicios les basto una sola canción para dejarme sin argumentos. Con 5000 personas entregadas de antemano la banda podía haber sido más disciplente o comedida. Pero no, Salieron a por todas desde la inicial "La Deriva" acompañada por unos juegos audiovisuales simples pero muy efectivos, pero sobretodo Pucho se destapo como un gran frontman. Aleteando, sintiendo cada palabra que cantaba como si fuera un dogma divino. Ante tal derroche de fuerza, uno no pudo evitar doblegarse. La banda en el tramo final de su gira esta muy engrasada. Y sobretodo son sabedores de estar viviendo su mejor momento como banda, 7 premios en los premios independientes, pero sobretodo conscientes de que su tercer largo es el más redondo y completo de su carrera. Quizás al verlos desde el crisma critico y sin casi emociones o vivencias unidas a sus dos anteriores trabajos "La deriva" y los temas incluidos en él son mis favoritos y en mi opinión los mejores momentos del concierto... "La Mosca En La Pared" fue emocionante, vibrante "Golpe Maestro" y ¿que decir de "Fiesta Mayor"?. Pues uno de los mejores minutos de un concierto largo, generoso en minutaje y en derroche de fuerza. "Fuego" también sonó y no desmereció ante los "Clásicos" de la banda. En "Pirómanos" Pucho lanzo su micro al suelo estaba en el jodido Nirvana al igual que todos nosotros. Hasta un tema tan bobalicón como "Tour de Francia" sonó robusto y adquirió otro sentido, gano puntos... "Cuarteles de invierno" fue tan bella, con una iluminación precisa y una banda polimétrica, conjuntada y en estado de gracia...

Pero no todo fue "La Deriva" tocaron temas de sus dos discos anteriores y sobretodo con los de su debut conseguían elevar la temperatura del respetable y a su vez del recinto hasta lo inimaginable. La comunión y la catarsis colectiva de "Salvese Quien Pueda" logro erizarme el vello de mi nuca, eso o tener a alguien especial a mi espalda. Compartir con ella este momento sera algo que hace que la vida adquiera otro sentido. Desde ese día "Copenhague" significa mucho para mi, muchisimo. He tenido que vivir en mis carnes algunas circunstancias para entender esta canción. Ahora es mi himno, vivo atrapado en ella. Tanto en la canción, como en sus brazos. Cuando arremetieron con "Valiente" aquello adquiero tintes de caos, controlado pero caos. Ojos vidriosos por todos lados. "Baldosas amarillas" fue tantrica.Tener en cuenta que a banda esta en su mejor momento, tienen un espectáculo visualmente atractivo y un conjunto de canciones con las que su publico se siente identificado. Esta ecuacion da por resultado una victoria apabullante. "La cuadratura del circulo" es otro momento que me llevare a la tumba... Estremecedora "Rey Sol". Pero la verdad es que "Mapas" fue uno de los picos álgidos del espectáculo. Aunque yo sufrí como un crió perdido en la multitud con "Maldita Dulzura". Tras dos horas largas la banda se despidió con una ovación cerrada, merecida. Abandone el recinto con una copia en vinilo de "La deriva" acompañado de mis chicas valencianas, agradecido por haberlas escuchado y haberme dejado arrastrar hasta allí. La vida tiene estas cosas, hay que dejarse llevar... Y casi siempre disfrutas del viaje y de la compañía. Gracias María José, Olga y Vetusta Morla.

Cayó mi escudo humano, ya no soy el hombre del saco. Ha cambiado mi suerte, seguí las baldosas amarillas y mientras sonaba una sonata fantasma planee un golpe maestro. La grieta que existía en mi corazón no existe, ya no debo visitar las salas de espera. Ahora soy valiente, casi un rey sol. Seguí la marea que me llevo a tus brazos. Soy dichoso de compartir un día en el mundo junto a ti mi pequeño desastre animal. Pienso en ti al respirar, al vivir... Contigo en mi vida se cerro la cuadratura del circulo... Eres tú o tú. Paso del nadie...